De Culto

Feliz Navidad

2006-12-25T09:06:00.000-03:00

Feliz navidad a todos, les deseamos de todo corazon...
Y que tengan un espectacular año nuevo

BENNI Reggeton

2006-12-20T04:38:00.000-03:00

Esta wea si que es "de culto"
Tienes que verlo. . .y si no, andate a la rechucha
Benni - Enchufa

Fito Paez

2006-12-15T15:20:00.000-03:00

Rodolfo Páez Ávalos, más conocido como Fito Páez, es un músico y compositor argentino de rock. También es director y guionista de cine. Por la calidad y repercusión de sus obras musicales es considerado uno de los máximos compositores de rock de la Argentina, junto a Charly García y Luis Alberto Spinetta. Su disco El amor después del amor, editado en 1992, es el más vendido en la historia del rock argentino.

Infancia
Rodolfo "Fito" Páez nació en Rosario, el miércoles 13 de marzo de 1963. Hijo de Margarita Zulema Ávalos (pianista concertista, profesora de aritmética y álgebra) y de Rodolfo Páez (empleado municipal).
La casa de calle Balcarce 861 ubicada en el macro centro rosarino recibió al pequeño llena de sonidos de música clásica europea, con su madre tocando Brahms y Liszt en el piano de concierto colocado en el living.-
Pasaron solo ocho meses y su madre, con sólo 33 años, murió tras padecer un cáncer en el hígado, por lo que su crianza quedó en manos de su padre, de su abuela paterna Delia Zulema Ramírez viuda de Páez, a quien el Pequeño "Rodolfito" bautizaría como "Belia", y de su tía abuela, Josefa Páez.
Cursó la primaria en la Escuela pública Mariano Moreno, en calle Paraguay llegando a calle 3 de Febrero. De chiquito concurría en transporte escolar y luego siguió asistiendo trepándose al colectivo 200.
En marzo de 1976, una semana antes del golpe militar en Argentina, comienza la secundaria en un famoso instituto educativo privado de la ciudad, la Escuela Dante Alighieri. Era un alumno regular y sufrió el castigo de las amonestaciones -el pelo largo, el cigarrillo y no callarse la boca cuando creía que tenía razón, le hicieron vivir varios malos momentos-.
A los 14 años ya lucía anteojos para contrarrestar la miopía, cuando se enamoró de "Miriam", su primer novia, una compañera del curso con la que vivió un amorío de niños. Besos, cine y paseos por el Parque Urquiza de Rosario.
A esa edad comenzó a tomar clases de piano en el Instituto Scarafía ubicado frente a su casa, aunque ya sabia tocar desde pequeño. Tenía un método de estudio muy particular, memoria y oído, no leía partituras, aunque su profesor siempre pensó lo contrario. Su talento comenzó a notarse muy pronto. Cuando terminaba la clase volvía presuroso a su casa para ejecutar la última lección aprendida. Su breve aprendizaje musical de casi un año, se completó con las clases particulares que dictaba la señora de "Bustos" en su domicilio.
Luego de incurrir unos años en el folclore, terminó con todo eso y se dedicó a hacer la música que realmente le gustaba.- Llegó el rock, la influencia de Los Beatles, Deep Purple, Arco Iris, Charly Garcia, Luis Alberto Spinetta, Litto Nebbia entre otros.
El 9 de diciembre de 1980, la abuela Zulma lo despertó con la noticia de que en la radio difundían el asesinato de John Lennon. Ese día, Fito debía rendir un par de exámenes en el colegio que aún debe para obtener el título de bachiller.
Primeros grupos
El primer grupo fue un trío de folclore amateur sin nombre que formaron con dos amigos del colegio para tocar en los actos. En esa oportunidad Páez acompañaba tocando un bombo que el padre le había comprado durante unas vacaciones por el norte argentino.
La primer banda de rock también la formó en los recreos del colegio junto a dos compañeros. Fito sentado al piano junto a Ricardo Vilaseca y Patricio Prieto con guitarras acústicas, interpretaban temas de Sui Generis en el patio del colegio.
Con 16 años y luego de un viaje a Santa Fe (capital), en donde asistió a un par de recitales de MIA (Músicos Independientes Asociados), Paez volvió con las ideas más claras de lo que quería hacer. Convocó entonces a un par de amigos del colegio y otros del barrio para darle forma a un nuevo grupo que llamaron "Neolalia". La experiencia fue breve y solo existieron dos presentaciones en vivo de esta banda en 1979.
Más adelante forma parte de varios grupos como "Sueñosia", junto a su amigo Fabián Gallardo en voz, "Gno el Bizarro", "Graf" y "Arcana". Todas ellas experiencias cortas, algunas duraron tan solo un ensayo en un fin de semana.
En 1980 formaría Staff, la primera banda con la que pudo ganarse el respeto de los músicos de la zona. Él era el líder y compositor de casi todos los temas. Aunque el éxito de grupo era una tema llamado "La Travesía" con autoría de Germán Risemberg, bajista del grupo y ex integrante de "Neolalia". Fito Páez cantaba y tocaba el piano eléctrico que transportaba en colectivo hasta los ensayos ya que era prestado. El mayor logro obtenido por Staff fue ganar el primer premio del concurso "Música Progresiva", que contaba entre el jurado al músico Juan Carlos Baglietto. Allí Páez logró que más de un músico se interesara en su trabajo.
Más tarde le propusieron unirse a "El Banquete" que por entonces era considerada la mejor banda de rock de Rosario, integrada además por Rubén Goldín, Silvina Garré, Sergio Sainz, Zappo José Aguilera y Daniel Wirzt. Fito comenzó a hacerse cada vez más conocido en el entorno.
Paralelamente a ello también formó parte del grupo "Acalanto". Un conjunto de folclore de proyección en donde sobresalía el guitarrista “Pichi” de Benedictis.
Las distintas participaciones como músico invitado fue dándole mayor popularidad y terminó por provocar el final de Staff.
En 1981 Juan Carlos Baglietto, que realizaba presentaciones a la par del grupo Acalanto, lo incluyó como tecladista y como arreglador (junto a Goldín) en su banda. Con la cual fueron invitados a un Mega recital organizado por la revista "Humor" en el Estadio Obras Sanitarias, en repudio a la llegada de Frank Sinatra a la Argentina. Por primera vez en la historia, bandas del interior del país se reunían a tocar en ese estadio de Buenos Aires.
A Buenos Aires
Finalmente Fito Páez se traslada a Buenos Aires. En un principio se instaló en el departamento propiedad de su amigo Lalo de Los Santos, en el barrio de Floresta. Luego se mudó a un departamento propiedad de un tío de Páez ubicado entre las calles Montevideo y Corrientes del barrio de San Andrés, sobreviviendo con el dinero que su padre le giraba desde Rosario.
Poco tiempo después, diferencias entre el tío de Páez , debido a los huéspedes permanentes, noches de sexo, consumo de drogas y música de rock and roll hasta altas horas de la noche, provocaron el enojo y un nuevo desalojo para el rosarino, que ésta vez fue a parar a casa de unas amigas en el mismo edificio.
Luego de una presentación en La Falda, provincia de Córdoba, en un festival de rock y recibiendo menciones luego en el diario Clarín de Buenos Aires.
En ese momento se pensó la posibilidad de darle un nombre al grupo, ya que hasta ese entonces era Juan Carlos Baglietto y su banda. Alguno de los nombres que se arrojaron fueron “Cine” o “Cinema”.
Pero finalmente en 1982 Baglietto firma el primer contrato profesional con la compañía discográfica EMI y graban el disco Tiempos difíciles, que pensaron llamarlo en un principio “Tiempos de Guerra” en alusión directa al conflicto bélico que vivía la Argentina en Malvinas. La mayoría de las canciones fueron compuestas por Páez y tuvieron un éxito masivo, vendiendo más de 120.000 copias, alcanzando a fines de ese año la placa de oro.
El 4 de diciembre de 1982, luego de un recital de Baglietto y su banda en el teatro Coliseo de Buenos Aires, en el cual Fito Páez ya cantaba a solas con su piano el tema propio “Del 63”, recibe la inesperada visita en su camarín de Charly García. Fito no podía creer que el ídolo de su adolescencia le dijera que le encantaba lo que él hacía.
Luego de una serie de recitales en Rosario (Festival Rock Rosario 83) y en Buenos Aires (Estadio Obras Sanitarias) Fito participaría en otro disco de Baglietto, Actuar para vivir, que fue presentado en vivo en el teatro Astral.-Esas fueron las ultimas funciones de como tecladista de Baglietto .-Fito Páez partió hacia su ciudad natal para imaginar un nuevo grupo y despegarse definitivamente de Baglietto y su Banda.
Pero ese mismo año ( 1983 ), debido al alejamiento de Andrés Calamaro, se incorpora en la banda de Charly García, recomendado por Jorge Lonch, para la gira del disco "Clics Modernos" y en 1984 participa de la grabación del disco Piano Bar, por ello es que el rosarino debió postergar sus ideas como solista por un tiempo.
Cuando Fito volvía a Rosario se juntaba a ensayar con un grupo de amigos. Y de ahí nace la idea de formar su proyecto solista. Al mismo tiempo es invitado a tocar nuevamente en La Falda, pero con “su” banda.
En 1984 firma un contrato de cinco años con la discográfica EMI y edita su primer LP llamado Del 63 tras dos meses de trabajo grupal en Estudios Panda del barrio de Floresta en Buenos Aires. Ya antes de salir a la venta había alcanzado importantes cifras tras el pedido anticipado de las disqueras y el trabajo fue bien recibido, convirtiéndose en el “disco del año” de acuerdo a encuestas realizadas por los medios especializados.
Un año después se aleja definitivamente de la banda de García y edita Giros, con cuyo tema Yo vengo a ofrecer mi corazón, de gran repercusión, alcanza el reconocimiento en Argentina, siendo grabado años después por Mercedes Sosa. Este trabajo lo presentó primero en el Luna Park, en La Falda y finalmente en Rosario ante 100.000 espectadores a beneficio por los inundados.
En 1986 edita dos LPs, Corazón clandestino (que cuenta con la colaboración de Caetano Veloso) y La la la (junto a Luis Alberto Spinetta) que presentaron en el Estadio Obras Sanitarias y en Santiago de Chile. La relación duró hasta que se puso en discusión el dinero que deberían ganar ambos artistas.
A fines de 1986, Fito Páez se encontraba de gira por Brasil, donde había sido invitado por Herbert Vianna para tocar junto a Os Paralamas do Sucesso. Fue la mañana del 7 de noviembre que Fito recibe la infausta noticia del asesinato de sus abuelas en Rosario, por un psicótico bajista frustrado Walter De Giusti. El manager por aquel entonces decide suspender las demás actuaciones que tenían pactadas y vuelven hacia Rosario. El hecho conmueve a la ciudad y provoca un alto impacto mediático sobre la figura de Paez, lo que provocó que el cantante se fuera de viaje a unas islas en Tahití, acompañado de su asistente, donde compone el disco que es considerado más visceral de su carrera, llamado Ciudad de pobres corazones, editado al año siguiente (1987)... -“El disco es un bajón pero loco sería que no fuera así”... declaró a los medios su creador.
Éxito
Al año siguiente (1988) viaja a New York y La Habana para grabar y editar Ey! y se lo dedicó a Fabiana Cantilo, su amor por aquel entonces, que sería el ultimo trabajo producido por la compañía EMI. La canción Polaroid de locura ordinaria se convirtió en otro himno de su repertorio para sus seguidores. Éste fue el primer disco solista propiamente dicho. Compuso, tocó, grabó, mezcló e hizo toda la producción, ya que por aquel entonces había desarmado la banda que lo acompañaba por problemas entre los músicos.- Participaron artistas invitados como Ulises Butrón, Gabriel Carámbula, Fabián Gallardo, Ricardo Mollo, Osvaldo Fattorusso, Daniel Colombres y Guillermo Vadalá entre otros.-Ey! fue presentado en vivo en distintos lugares con una banda que surgió de éstos músicos que ayudaron a grabar, acompañados en coros por Fabiana Cantilo.
Aquel 1988 cerraría con la formación de un dúo junto a Guillermo Vadalá que se llamó “Chapa y pintura”, con el que interpretaban aquellas canciones que no cerraban en el proyecto “Fito Páez”, donde recorrían tangos, folclore, temas desconocidos de otros artistas argentinos y hasta algunos de Los Beatles.
En 1990 recorrió América Latina contratado por un productor Venezolano, que le ofrece a Páez 25.000 dólares por grabar un nuevo disco. El rosarino se tomó en muy en serio la propuesta y comenzó a trabajar en lo que sería Tercer mundo.
Pero, el “misterioso productor” literalmente se “borró” y no aportó un peso para el proyecto. Fito se endeudó con los músicos y con el estudio donde se grabó el master del disco. Sin sello discográfico y sin dinero para sobrevivir, Fito Páez recibe la ayuda de una mano amiga, la de Fabián Gallardo, ese eterno amigo que en la adolescencia se internaba en el altillo de la casona de calle Balcarce en Rosario a componer canciones con él, había sido nombrado productor artístico de WEA (Compañía Warner Brothers).
Páez firmó contrato, recibió el dinero que le correspondía y partió hacia Europa, dejando el master en la compañía. Casi dos meses después recibió un llamado telefónico que le informaba: “Vendiste 30.000 copias en 20 días”…
La presentación oficial de éste disco fue entre los días 14 y 15 de diciembre de 1990, en el Teatro Gran Rex de Buenos Aires y para eso apeló a una nueva banda, convocando en primer lugar a Fabián Gallardo.
Luego Fito viaja a Río de Janeiro para producir las voces del tema “Track Track”, incluido en el disco “Ciudad de pobres corazones” para el grupo “Os Paralamas do Sucesso” que editaría un maxi y un video de esa canción cantada en castellano.
El 11 de febrero de 1991, en una fiesta de disfraces en José Ignacio, Punta del Este Fito Páez conoce a Cecilia Roth, que hasta aquel entonces era una mujer casada. Ocho meses más tarde, tras el divorcio de la actriz con su ex, comenzaba su relación publica con el rockero.
Fue en las playas uruguayas el lugar elegido por Páez para componer las canciones de su próximo disco que se llamó El amor después del amor y que se edita en 1992.
El sábado por la noche del 4 de octubre de 1992, el escenario del estadio Newell's Old Boys de Rosario, mostró un Fito Páez vistiendo la camiseta de Rosario Central presentando las canciones de su nuevo trabajo por primera vez.
Fueron 24 canciones en total, las nuevas y los clásicos, los que la gente coreaba incesantemente. “Hemos hecho el show más hermoso de nuestras vidas” dijo Páez por los parlantes.
Luego realizó una seguidilla de 11 recitales en el teatro Gran Rex, pleno centro de Capital en Buenos Aires para salir de gira llenando estadios y convocando multitudes, hace un recorrido a lo largo de toda la Argentina y toca en más de nueve países, incluido Cuba, donde fue el primer artista no cubano en tocar en la Plaza de la Revolución, frente a 50.000 personas.
A mediados de la gira del [[199393’] se le entrega el cuádruple disco de platino, con 240.000 discos vendidos. También ese año, La Asociación de Cronistas de Espectáculos (ACE) lo premia en tres rubros: “Mejor video clips” y Mejor Canción de rock para el tema “Tumbas de la gloria” y “Mejor disco solista de rock para “El amor después del amor”.
La gira tuvo su momento cumbre en su ciudad natal, en el estadio de fútbol de Rosario Central, con un espectáculo sin precedentes en Argentina. Un escenario fletado desde Inglaterra, con 20 m de frente y 12 de profundidad, una potencia superior a los 50 kW de sonido, un sistema innovador de luces que combinaba estática y movimiento, cruces enormes prendiéndose fuego en las tribunas mientras la multitud coreaba la canción “Tumbas de la gloria” y dos pantallas de video gigantes a los costados que recreaban las canciones del rosarino.
Fito Páez y su banda siguieron girando durante todo 1993 realizando un total de 120 shows, para dar fin al recorrido en el Estadio Vélez Sarfield de Buenos Aires, donde 84.122 personas pagaron sus entradas para presenciar el show, convirtiéndolo en el artista de mayor convocatoria con entradas pagas de toda la historia del rock nacional argentino.
A partir de una canción de aquel disco (La balada de Donna Helena), que en realidad había sido compuesta para el disco “Tercer mundo” y desechada luego, Páez concibió una idea cinematográfica que acabó por convertirse en un mediometraje. Treinta y dos minutos escritos y —por primera vez en su vida— dirigidos por él, y que reunían ante la pantalla a Cecilia Roth y a Eusebio Poncela entre otros.
El amor después del amor vendió cantidades inesperadas, llegando a las 750.000 unidades y convirtiéndose en el disco más vendido en la historia del rock argentino.
Aprovechando el furor que había provocado éste disco en su público, la compañía discográfica EMI edita en compact disc los trabajos “Del 63”, “Giros”, “Ciudad de pobres corazones”, “La la la”, y “Ey!”, dejando fuera de éste lanzamiento el maxi “Corazón clandestino”.-Años más tarde editaría dos compilados que se llamaron “Crónicas” y “Lo mejor de Fito Páez”.
Ese 1993 fue catalogado como “Mejor solista” y “Mejor show en Vélez” por los diarios “Clarín” y “Página 12”. Y fue nominado para ser nombrado “Ciudadano Ilustre” de la ciudad de Rosario, aunque ese proyecto nunca prosperó entre los ediles de la ciudad.
Finalmente Fito Páez convocó nuevamente a su publico al Estadio Vélez Sarfield, pero ésta vez totalmente a beneficio de UNICEF, dejando en limpio poco más de 500.000 dólares para éste Organismo de Las Naciones Unidas.
En 1994 edita Circo Beat, que en un principio pensó llamarlo “Nada del mundo real” el cual trae el gran éxito Mariposa teknicolor, quizá el tema pop más exitoso de la década del noventa, y sigue de gira, que ya eran casi tres años viajando por todo el mundo, acompañado por Alina Gandini, Guillermo Vadala, Pomo Lorenzo y Gabriel Carambula, finalizando con un recital gratuito en los bosques de Palermo, al cual asisten 50.000 personas.
Una segunda edición de este disco incluye versiones en portugués de tres de sus temas, con la colaboración de músicos brasileños de renombre, como Caetano Veloso, Herbert Vianna y Djaván.
En 1996, lanza un disco acústico-sinfónico: Euforia acompañado por los músicos que lo venían acompañando hacía 3 años (Alina Gandini, Guillermo Vadala, Hector Pomo Lorenzo y Gabriel Carambula) y mantiene distancia de la exposición mediática. Éste fue su primer trabajo editado en vivo. Tras un silencio de dos años vuelve junto al cantautor español Joaquín Sabina con el álbum Enemigos íntimos (1998) el cual finalmente no tuvo presentación en público ni gira de promoción debido a que Sabina y Paez, se retiraron del proyecto debido a incompatibilidades artísticas.
En 1999 lanza Abre un disco con canciones de letras largas y fuertes, producido por Phil Ramone, donde la voz está por encima de la música y más notable que en discos anteriores. Los medios periodísticos especializados en el tema no dudaron en publicar que con éste trabajo, Fito Páez volvía a ser el de “antes”.
En 2000 gana dos premios Grammy Latino, mejor artista y mejor canción de Rock por Al lado del camino. Luego edita en 2000 Rey Sol, dedicado a su hijo Martín, un álbum poco aceptado por la crítica y que vende una cifra pobre comparada con sus discos más exitosos.
En 2001 debuta con su primer largometraje como director de cine con Vidas privadas. El guión (escrito por él en colaboración con Alan Pauls) trata sobre la última dictadura militar argentina y el incesto; la película tuvo escasa recaudación, y críticas por lo general desfavorables. A fines de año presenta temas nuevos en el teatro porteño ND Ateneo.
En mayo de 2003 edita Naturaleza sangre, disco en el cual intenta volver a la estética rockera de los ochenta, y que cuenta además con la presencia de la cantante brasileña Rita Lee, de Charly García y de Luis Alberto Spinetta como invitados. Sale en exitosa gira por todo el continente americano y por Europa con los músicos Guillermo Vadalá (bajista que forma parte de la banda de Fito desde 1988), Gonzalo Aloras (guitarra), Sergio Verdinelli (batería), reemplazado por Jota Morelli y Javier Lozano (teclados). A fines de diciembre de este año cierra el festejo del 114 aniversario del Club Atlético Rosario Central, club del cual es fanático.
En 2004 lanza su primer DVD, titulado Naturaleza sangre, que incluye el recital completo que ofreció en el Teatro Gran Rex, y como extra el video del tema Bello Abril, en el que canta junto a Luis Alberto Spinetta.
El 8 de diciembre de 2004 sale a la venta Mi vida con ellas, un disco doble con 18 canciones grabadas en vivo en distintos recitales, que incluye cóvers y temas de su autoría.
En 2005 edita Moda y pueblo, en el cual incluye temas de Lito Nebbia, Luis Alberto Spinetta, Charly García y musicaliza un poema de Federico García Lorca, además de reversionar viejos temas propios. El disco cuenta con una orquesta de 9 cuerdas, dirigida por Gerardo Gandini.
A mediados de 2006 su tercer proyecto cinematográfico como director se encuentra en etapa de post-producción, se trata de una comedia de enredos que lleva como título tentativo ¿De quién es el portaligas?.
El 21 de septiembre de 2006 sale a la venta El mundo cabe en una canción grabado entre junio y agosto de éste año en sus estudios propios de Rosario. El disco incluye 11 canciones nuevas escritas por Páez y una en colaboración con Coki Debernardi.

Guata Cervecera

2006-12-15T02:58:00.000-03:00

Haciendo un estudio profundo de los distintos tipos de barrigas, y tomando como muestra a mis amigos, pude encontrar la guata cervecera perfecta. ¿quien es el de la muestra Daniel o Claudio?

Fumar es dañino para la salud

2006-12-15T02:55:00.000-03:00

Hace unos pocos meses se lanzaron las cajetillas de cigarrillos con mensajes y fotos para dejar de fumar… bueno ahí conocimos a Don Miguel.. pero eso ya quedo atrás… acá les dejo la nueva foto que aparecerá en las cajetillas..

Tributo a Fito Paez

2006-12-15T02:42:00.000-03:00

Un total de 21 artistas se unirán para grabar un disco homenaje al cantante y compositor rosarino Fito Páez. En el álbum “Homenaje a Fito Páez”, los grandes éxitos del artista serán interpretados en versiones de rock, balada, jazz, trova, pop y otros estilos más que recorrerán toda la trayectoria de los 20 discos de Páez editados en los últimos 25 años de carrera en la música nacional argentina.

Se Busca: GERARDO

2006-12-13T18:56:00.000-03:00

“Ven Michu Michu que te voy a dar lechecita calentita pa que duermas.
Voy a acariciarte, no seas huraña michu, quiero sobarte…”
Technotronic, MC Hammer, Wilfred y la Ganga y Gerardo, próceres del rap de comienzo de los 90s.
Ahhh, como olvidar aquellos comienzos de los 90`s donde todos sin excepción alguna nos movimos al ritmo del rap.
Como olvidar a este machista que tenía a su tropa de curvilíneas hembras listas para sobajearle su oleosa humanidad.
¡¡¡Oh, Gerardo, que se será de tu vida!!!
Seguirás buscando mujeres “Ricas y Suaves”, seguirás tan “Weno, weno pa gozar, mulata”, o estarás “por toda la ciudad cantando ven michu michu!!!”
Si alguien sabe algo de él, por favor avísennos.

Necrosis en Sabados Gigantes

2006-12-10T05:35:00.000-03:00

Esto es realmente de culto.....hay que verlo

Resultados premion "NI UN BRILLO" 2006

2006-12-06T20:15:00.000-03:00

Señoras y señores, aca están los resultados de los premios "NI UN BRILLO" 2006

Gracias a todos quienes votaron

2006-12-06T20:13:00.000-03:00

Premio "Ni un brillo" revelacion.

Es decir, quien dio mas "jugo" duramte el 2006

Ganadora:

Amalia Granata

2006-12-06T20:10:00.000-03:00

Premio "ni un Brillo" del Gobierno

ganador:

Chiledeportes

2006-12-06T20:09:00.000-03:00

Premio "Ni un Brillo" al peor bailarin o bailarina de Tv

ganador:

Felipe Abello

2006-12-06T20:08:00.000-03:00

Premio "Ni un brillo" como Animador o Animadora de Tv

Ganadora:

Francisca Merino

2006-12-06T20:07:00.000-03:00

Premio al medio de comunicación sin "Ni un brillo" del 2006

Ganador:

TVO

2006-12-06T20:05:00.000-03:00

Premio Evento "Ni un brillo" del 2006

Ganador:

El nuevo formato de Mekano

(en realidad, a nadie)

2006-12-06T20:04:00.000-03:00

Premio "Ni un Brillo" deportivo

Ganador:

Reinaldo Sanchez (Don Choco)

2006-12-06T20:02:00.000-03:00

Premio al programa de Tv "Ni un Brillo"

Ganador:

La noche de Cecilia

2006-12-06T20:01:00.000-03:00

Premio a la idea "Ni un brillo"

Ganadora:

La idea de cerrar el barrio El Golf

2006-12-06T19:59:00.000-03:00

Premio "Ni un Brillo" en política:

Ganadora:

Michelle Bachelet

2006-12-06T16:57:00.000-03:00

Premio "Ni un brillo" en la farandula:

Ganadora:

Pamela Diaz

2006-12-06T16:55:00.000-03:00

Premio "Ni un Brillo" en el Cine:

Ganador: Rojo La Pelicula

2006-12-06T16:54:00.000-03:00

Premio "ni un brillo", el regreso:

Ganadora: Margot Kahl

2006-12-06T16:53:00.000-03:00

Premio al Organizmno que no tiene "Ni un Brillo"

2006-12-06T16:51:00.000-03:00

Premio "Ni un Brillo" en la contingencia, es decir, a quien le interesa:

Ganador: La ruptura de Julio Cesar Rodriguez y Francisca Garcia - Huidobro

2006-12-06T16:49:00.000-03:00

Premio al periodosta con "Ni un Brillo"

Ganadora: Pamela Jiles

2006-12-06T16:47:00.000-03:00

Premio a la trayectoria con "Ni un Brillo"

Ganador: Roberto Dueñas

EL CHOMPIRAS

2006-12-06T16:26:00.000-03:00

El Chómpiras es el personaje cómico de un ladrón cuyo verdadero nombre sería Aquiles Esquivel Madrazo, que fue creado por el actor y comediante Roberto Gómez Bolaños, para un espacio corto durante la década de los años 70, que incorparaba en el programa El chavo del 8. Sin embargo, anteriormente dijo haberse llamado Parcutingadolfo Paracutingodinez.
En el programa original el Chómpiras lo interpretaba Roberto Gómez Bolaños y su compañero, el Peterete o Tripa Seca, era interpretado por el actor comediante Ramón Valdez, Carlos Villagrán participaba en raras ocasiones para interpretar a un Polcia de seguridad urbana o a el Cuajinais, otro ladrón.
El Chómpiras vestía con pantalón y chaqueta negra y usaba una camiseta a rayas, posiblemente de reo. Siempre llevaba una barba de pocos días y una gorra negra.
Usualmente, cada episodio trataba de los intentos de estos dos ladrones por perpetrar un robo domicialiario o el saqueo de una tienda. Cuando el Chómpiras cometía un error, su compañero de turno le sacaba la gorra, lo peinaba, le pedía que sostuviera la peineta y le daba un gran golpe en la cara, que lo arrojaba al suelo y lo dejaba tan despeinado como antes.
Posteriormente existió otro programa, con capítulos de media hora de duración, en que se agregaron más personajes y las tramas tenían un mayor desarrollo. Su acompañante era el Botija (Edgar Vivar), esposo de La Chimultrufia (Florinda Meza). Otros personajes eran:
María Antonieta de las Nieves, La Peliroja o La Maruja.
Angelines Fernández, Doña Nachita.
Rubén Aguirre, El Sargento Refugio.
Raúl Chato Padilla, El comandante de la policía, El licenciado.
Horacio Gómez, Personaje extra.
Carlos Puliot. El dueño del Hotel, Don Cecilio.

Hoy Martes 5/12/2006

2006-12-05T08:16:00.000-03:00

Señoras y señores, hoy martes en nuestro programa, es la entrega de la primera versión de los premios "Ni un Brillo" 2006.

Asi que no se lo pueden perder.

Para escucharlo, entran a www.noesradio.cl , hacen click en el icono de winamp o reproductor de windows que ahi aparecen, y listo

Asi que ya lo saben....

Hoy 18:00 hrs.

"De Culto"

Solo por www.noesradio.cl

SPEEDY GONZALEZ

2006-12-04T16:57:00.000-03:00

"¡Ándale, ándale, arriba, arriba, eh?hah!"

Estas son las frases favoritas del ratón más rápido en todo México y que tuvo su bautismo en 1953 gracias a Robert McMmson. Llegado a los Estados Unidos como polizón de un barco mercante, la gran habilidad para sobrevivir hace que nunca tenga problemas para encontrar comida. Tiene como enemigos irreconciliables a dos gatos llamados Benny y George, aunque siempre se las arregla para darles una lección por querer comerle de postre. De color castaño, larguirucho, con imperfectos dientes de oro, este animalito debería haber sido una caricatura del tradicional matón mejicano de la calle.
El personaje estuvo inactivo durante dos años, hasta que fue reavivado por Freleng en 1955 y rediseñado por Freleng y Hawley Pratt en la forma que ahora conocemos, añadiéndosele un sombrero de gran tamaño. Speedy compartió episodios con Sylvester y con el Correcaminos, hasta que consiguió ser el protagonista de su propia serie animada mediante los dibujos de Freleng y McKimson. Habitual compañero del gato Sylvester, este roedor también ha tenido como compañero a su opositor Slowpoke Rodríguez, el ratón más lento en todo el mundo.

The Mamas and The Papas

2006-12-04T16:49:00.000-03:00

The Mamas & the Papas (llamados The Mama's and the Papa's en su álbum debut) fueron un grupo vocal líder en la década de los 60s. Fueron uno de los pocos grupos estadounidenses que mantuvieron su éxito durante la Invasión británica (otro grupo fue The Beach Boys). El grupo hizo grabaciones y actuó desde 1965 a 1968; produciendo 5 álbumes y tuvieron 10 canciones en las carteleras musicales; aunque estuvieron un corto tiempo en la cima de la música, mantienen todavía fieles seguidores.
John Phillips, Cass Elliot, Denny Doherty y Michelle Phillips formaron la banda después de que fracasaran sus anteriores grupos de música folk. La canción California Dreamin', fue su mayor éxito y la que más identifica al grupo.

El nombre del grupo fue inspirado en un programa de entrevistas que se emitía a diario en la TV. Después que el grupo grabó su álbum "If You Can Believe Your Eyes and Ears", la banda fue conocida por un tiempo como "The Magic Circle" (el círculo mágico). Buscando un nombre fácil de recordar, ellos se sentaron a pensar uno nuevo. Alguién encendió la TV y estaban transmitiendo un programa de entrevistas.

Lo primero que ellos escucharon fue algo de una Mama, entonces Cass se paró y dijo que quería ser una Mama, y Michelle dijo que también quería ser una Mama. John y Denny se miraron y John dijo, "¿Papas? Okay, problema resuelto." La banda tenía su nuevo nombre.

En entrevistas, los miembros de la banda reconocieron abiertamente que en sus sesiones de grabación hacían un fuerte uso de drogas como la marihuana.

El quiebre de The Mamas & the Papas puede ser asociado al estilo de Camelot: así como una infidelidad destruyó el reino del Rey Arturo, lo mismo ocurrió con la banda. Michelle Phillips y Denny Doherty eran amantes pero en secreto, y lo pudieron conservar muy bien, pero en un viaje a México Denny le contó a Cass Elliot que estaba secretamente enamorado de Michelle, lo cual la puso furiosa pues ella estaba enamorada en secreto de Doherty. Tiempo después John los pilló en el acto y se marchó de la casa.

Michelle y John se reconciliaron y compraron juntos una casa en Bel Air mientras la banda trataba de salir adelante. Las cosas se vieron bien por un tiempo. El grupo grabó su tercer álbum Deliver, que se convirtió en un gran éxito, y durante ese mismo tiempo Denny comenzó a beber para olvidar a Michelle.

La banda se disolvió en julio de 1968. En una rara entrevista después de que el grupo se separó, en la revista Rolling Stone, Cass admitió que ella quería ser solista y eso produjo la separación del grupo.

Cass Elliot empezó una exitosa carrera como solista y viajó por los Estados Unidos y Europa. En obligación a sus cotratos, la compañía de discos decidió que la banda hiciera un álbum más. Después de estar un año separados, la banda se reagrupó y lanzó su último álbum en 1971 titulado People Like Us (Gente como nosotros).

Mientras estaba de gira, Cass Elliot murió de un ataque al corazón el 29 de julio de 1974. Papa John Phillips murió de una falla al corazón el 18 de marzo de 2001.

LYNARD SKYNARD - LYNYRD SKYNYRD

2006-11-30T20:12:00.000-03:00

Formada en 1964 en Jacksonville, Florida, Lynyrd Skynyrd es la banda sureña que transformó el rock en esa región de los Estados Unidos. Sus integrantes eran todos adolescentes de secundaria que además eran vecinos.
Ronnie VanZant (cantante) de 16 años llamó a su vecino Bob Burns que tenía una batería con el propósito de armar un grupo. Entonces él le sugirió a Gary Rossington un amigo de la escuela que tenía una guitarra, quien a su vez recomendó a Larry Junstrom como bajo. Junto a Allen Collins que era un amigo común formaron los Noble Five.
Los Noble Five ensayaban en cada rato libre que tenían. Su música se empezó a construir con el rock británico derivado de la invasión, pero aún más intenso con sonido distorsionados y retornos estridentes.
Mientras intentaban armarse como grupo, su profesor de educación física Leonard Skinner se encargó de hacerles la vida difícil suspendiéndoles de la secundaria cuando podía. Cansados, se salieron del colegio a los 16 años y se mudaron juntos.
A manera de broma, un día se presentaron en escena como “Leonard Skinner” con el fin de burlarse de su profesor. A la audiencia le gustó tanto el nombre que los rebautizaron como Lynyrd Skynyrd.
EL quinteto estaba quebrado, pero se negaban a trabajar tiempo completo en otra cosa que no fuera la música. Luego de que los vecinos se quejaran infinidad de veces por el ruido que provocaba su música, se mudaron a una granja en las afueras de Jacksonville a la que bautizaron “Hell House”, el lugar en donde nació su música.
En 1967 participaron en un concurso de talentos que ganaron y les valió ser el grupo de apertura para las presentaciones de Strawberry Alarm Clock.
Esta nueva etapa llevó al grupo a exponerse a nuevas audiencias y para octubre de 1970 se habían presentado más de mil veces y ya tenían un representante, Alan Walden quien logró que grabaran su primer demo en el que incluyeron “Firebird”.
La música era de Allen Collins y la letra de Ronnie Van Zant. Inicialmente la canción era bastante plana y pesada, pero Allen hizo arreglos que produjeron una especie de himno del rock. La primera vez que Lynyrd Skynyrd presentó la canción ante el público la respuesta fue realmente impresionante.
Jimmy Johnson, el dueño del estudio de grabación, quedó tan impresionado con la voz de Ronnie que se ofreció a grabar el disco. En 1971 el grupo había logrado juntar suficiente dinero (entre propio y prestado) como para poder tener una buena sesión de grabación. Johnson y sus empleados le enseñaron a estos músicos de escenario a grabar en un estadio para lograr la mejor calidad posible. Walden envió cintas a todas partes pero nadie respondió. Así, Lynyrd Skynyrd se vio obligada a migrar a Atlanta para poder seguir tocando.
Cuando las cosas se ponían oscuras, Al Kooper un productor y cantante, se dio cuenta del potencial del sonido sureño y le propuso a la disquera MCA que formaran el sello “Sounds of the South” con cuatro bandas para empezar, una de ellas era Lynyrd Skynyrd.
La primera sesión para armar el álbum produjo casi 20 canciones. Las sesión fue tan intensa que ahí mismo compusieron “Sweet Home Alabama”, quizás su canción más conocida.
Saliendo del estudio Lynyrd Skynyrd se presentaron en una fiesta para la prensa organizada por Sounds of the South, en ella tocaron un tema compuesto exclusivamente para MCA que se llamaba “Trabajando para MCA”. Los ejecutivos de la empresa quedaron tan impresionados que contrataron a Lynyrd Skynyrd para que abrieran la gira de otoño de los Who, Quadrophenina, de 1973.
Ahora con el respaldo de una disquera, “Freebird” estaba sonado por todas partes y encabezaba listas de popularidad en todas partes. Al tiempo “Gimme Three Steps” otro sencillo del LP, no estaba recibiendo la atención de las estaciones de radio. Fue justo en ese momento que decidieron lanzar “Sweet Home Alabama” como sencillo de manera que el álbum se mantuviera a flote. En cuestión de semanas el sencillo y el disco era certificados como discos de oro.
Con un caudal propio de seguidores y discos que se vendía solos. Lynyrd Skynyrd empezó a organizar sus propias giras. De regreso de su gira en Europa, Artimus Pyle reemplazó a Bob Burns el baterista fundador del grupo, debido al cansancio que le produjo tocar tantas veces seguidas.
En 1975 volvieron al estudio esta vez para grabar “Nauthin' Fancy”. El disco logró que “Saturday Night Special” entrara a las 40 más populares. La gira que le siguió le dio a la banda una reputación de renegada debido a lo que sucedía detrás de bastidores. Debido a lo apretado y desordenado del calendario de gira el bajista Ed King dijo adiós.
Al año siguiente grabaron “Gimme Back My Bullets” junto a los Allman Brothers y producido por Tom Dowd. El disco nunca logró despegar.
Debido al tamaño del grupo el uso de los coros en sus canciones era algo común. Por eso en 1976 trajeron a las Honkettes, como un coro femenino de respaldo. Jo Jo Billingsley, Leslie Hawkins y Cassie Gaines se convirtieron en parte del entorno del grupo. Ese mismo año el grupo logró restaurar su sello distintivo de tres guitarras con la contratación de Steve Gaines, el hermano de la corista.
Armados hasta los dientes como estaban ahora, grabaron su primer disco en vivo “One More From The Road”. El disco entró al Top 10 y rápidamente se convirtió en disco de platino. Su siguiente disco fue “Street Survivors” fue puesto a la venta el 17 de octubre de 1977 y fue el primer disco de Lynyrd Skynyrd que fue certificado como disco de oro el día de su venta inicial.
La gira estaba lista para arrancar justo después de la salida del disco. De hecho estaban contratados para tocar en el Madison Square Garden en Nueva York.
Pero la gira no pudo ser. El 20 de octubre de 1977, tres días después de estrenar LP, un avión charter contratado por el grupo para viajar a Batton Rouge Louissiana, se estrelló en los pantanos de Mississippi cuando se quedó sin combustible. Steve Gaines, su hermana Cassie, el encargado de giras Dean Kilpatrick y el cantante Ronnie Van Zant murieron en el acto.
Sin Van Zant, Skynyrd no era lo mismo. Dos años después, en 1979, los miembros sobrevivientes de la tragedia se reunieron para tocar en un show especial en el que “Freebird” era el plato fuerte. Luego, cada cual siguió caminos separados.
A pesar de que el grupo dejó de existir, un disco de grandes éxitos fue puesto a la venta en 1980 y rápidamente se convirtió en multi platino. En el décimo aniversario del accidente, Lynyrd Skynyrd se reunió para una “Gira de Tributo” en la que estuvieron muchos de sus integrantes originales, además de Randall Hall que reemplazó a Collins en la guitarra quien quedó paralizado luego de un accidente automiovilístico en 1986 y Johnny Van Zant, que entró en lugar de su desaparecido hermano.
La gira se convirtió en un renacer del grupo que en 1990 firmó con la disquera Atlantic y en 1991 puso a la venta “Lynyrd Skynyrd 1991” y “The Last Rebel” en 1993. Se cambiaron al sello Capricornio desde donde lanzaron “Endangered Species” en 1994 y en 1997 “Twenty” en el que se mezcla viejo material con lo nuevo.
Lynyrd Skynyrd cambió el sonido del sur de los Estados Unidos en menos de 6 años mezclando rock, blues y country; no conoció el éxito instantáneo por eso sus triunfos eran lentos y uno a la vez, pero vio el final de una forma tan atropellada que nos deja con el sinsabor de lo que pudo haber sido su siguiente lento avance por las cumbres del éxito.
Así de lento ha sido su ingreso al Salón de la Fama del Rock and Roll previsto para este marzo de 2006.

GEORGE HARRISON

2006-11-28T18:48:00.000-03:00

George Harrison (* Liverpool, Reino Unido, 25 de febrero de 1943 - † Los Angeles, Estados Unidos, 29 de noviembre de 2001) fue un músico y compositor británico. Guitarrista solista del grupo The Beatles, era el llamado Beatle silencioso o místico. En su carrera en solitario se destacó por ser uno de los primeros en organizar conciertos de caracter benéfico.

George Harrison era el menor de cuatro hermanos. Su padre era conductor de un autobús municipal, y su madre era ama de llaves. Acudió a la misma escuela primaria que John Lennon, la Dovedale Infants, y después pasó al Instituto Liverpool, donde conoció a Paul McCartney.
Empezó a tocar la guitarra a los trece años. La primera que tuvo, que fue comprada a un compañero de clase, fue un regalo que le hizo su madre cuando él estaba con gripe en la cama. Fundó un grupo llamado The Rebels, que no duró mucho. Más tarde se uniría a Les Stewart Quartet, después de fallar en su intento de unirse a Rory Storm & The Hurricanes. Los intentos de tocar la guitarra en un principio fueron inútiles: no entendía la notación y llegó incluso a romper una de las llaves de la guitarra, así que dejó su guitarra en un rincón de su armario, volviendo a dedicarse a la trompeta. Uno de sus hermanos reparó la guitarra y George consiguió aprender unos acordes. Empezó a escuchar grabaciones de grandes guitarristas a la vez que ensayaba rigurosamente. Poco después conocería a Paul McCartney, pues juntos tomaban el autobús para ir al instituto. McCartney era miembro de la banda The quarry men, donde también estaba John Lennon, y decidió presentar a Harrison al grupo (Harrison entonces tenía 14 años), el cual lo aceptó como integrante al cabo de un tiempo. La banda se transformaría en los Beatles tiempo más tarde.

Empezaron a tocar en Hamburgo, Alemania, un agosto para el Club Indra, luego trabajarían para el club rival Top Ten, y el dueño del Club Indra denunciaría a Harrison por trabajar solo con 17 años, así que Harrison tuvo que volver a Inglaterra. En la grabación de A Hard Day's Night, Harrison conocería a Pattie Boyd con la que se casó, y a Eric Clapton con el que compartió una gran amistad. Harrison fue el guitarrista principal de los Beatles, aunque a veces también fue el vocalista, en las canciones Roll Over Beethoven, For Your Blue, I Me Mine, "Taxman",While my guitar gently weeps ,(La guitarra es tocada por Eric Clapton),"Something","I need You".
Más adelante conocería a Ravi Shankar y al Maharishi Mahesh Yogi, que le ayudarían a conocer la meditación trascendental. Aprendería a tocar el sitar y esto sería audible en los siguientes discos de The Beatles donde se pudo comprobar el peso que tenía en la banda. Compondría "Love You To" y "Within you without you" ,en ambas canciones se escucha el sitar.
Después los Beatles se separaron y Harrison empezó su carrera de solista. Fue el primer Beatle en alcanzar el éxito gracias a su celebradisimo triple LP "All Things Must Pass". Su sencillo "My Sweet Lord" se hizo mundialmente conocido, aunque su siguiente LP, "Living in the Material World", aun con bellas canciones como "Give me Love" fue criticado por ser muy experimental. Mas vapuleados fueron los siguientes aunque ello no hizo que Harrison varíe su orientación musical por nada. En 1974 se separaría de Pattie Boyd, la cual se casaría con Eric Clapton cinco años después, en una boda a la que el mismo Harrison asistió para dejar en claro que no había resentimientos entre amigos. Por cierto, a esa boda también asistieron sus ex compañeros, Paul McCartney y Ringo Starr.
A George Harrison se le considera también uno de los precursores de la música electrónica, a raíz de su trabajo "Electronic Sounds", previo a su separación de The Beatles.
En 1977 conoció a Olivia Trinidad Arias, con quien tuvo un hijo (Dhani) y se casaría posteriormente. Desde entonces comenzo una racha de discos que, aunque sin ser éxitos de ventas, mostraban a un Harrison relajado y mostrando lo mejor de si. "33 1/3", "George Harrison", "Somewhere in England" y, sobre todo "Cloud Nine", fueron obras coherentes y dignas del Beatle que siempre supo hacer bonitas melodías y transmitir variadas emociones con su guitarra.
Tras la muerte de Lennon en 1980, Harrison fue quizá el Beatle que más alejado de los medios se mantuvo. En la década de 1980, como copropietario de la compañía Hand Made Films, ayudaría a hacer películas como La vida de Brian del grupo Monty Python.
Los nuevos aires que le dio su disco "Cloud Nine" de 1987 lo reunió por casualidad con viejos amigos, con los que formó The travelling Wilburys, junto con músicos de la talla de Roy Orbison, Tom Petty, Jeff Lyne y Bob Dylan, con los cuales edita dos discos muy elogiados.
Tras editar su disco doble en vivo ("Live in japan") en 1992, vuelve a recluirse en su cómoda mansión de Inglaterra, aunque no por ello dejo de participar en el negocio musical. Es un constante colaborador en distintos proyectos musicales, aunque por los años 90 su más importante colaboración lo reunió nuevamente con sus colegas McCartney y Starr, cuando se editaron tres discos dobles y un documental acerca de los Beatles, mejor conocido como "The Beatles Anthology".
Harrison trabajaba en un nuevo album solista (el posteriormente editado "Brainwashed") cuando falleció a causa de cáncer pulmonar en el año 2001 en la ciudad de Los Angeles. Al cumplirse un año de su muerte, un grupo de músicos amigos, entre los que se encontraban Eric Clapton, Jeff Lynne, Ringo Starr, Paul McCartney y Tom Petty, le rindió tributo con un concierto en el Royal Albert Hall de Londres.

NI UN BRILLO 2006

2006-11-28T16:21:00.000-03:00

LLegaron los premios "NI UN BRILLO" 2006
Ayudanos a elejir a quienes son cero parote a este país, es decir, que no tienen "ni un brillo"
Solo elije a un nominado por categoria, y tu votacion enviala a decultoradio@gmail.com
Gracias por tu ayuda
Las categorias y los nominados son:
1. Premio Revelación (A quien dio más jugo durante el año 2006):
Rodrigo Danus
Coté Lopez
Amalia Granata
Martin Zilic
Roberto Dueñas

2. Premio Ni un brillo del Gobierno:
El Transantiago
Chiledeportes
Los Bonos de Codelco
La Comisión de Educación
El Auge

3. Premio peor bailarín o bailarina de TV:
Patricia Maldonado
Raquel Argandoña
Horacio De la Peña
Felipe Avello
Eduardo Bonvallet

4. Premio “Ni un Brillo” como animador o animadora de TV:
José Miguel Viñuela
Francisca Merino
Juan Pablo Sáez
Jeannette Moenne – Locoz
Julio Cesar Rodríguez

5. Premio Medio de Comunicación “Ni un Brillo”
Las Últimas Noticias (LUN)
La Cuarta
TVO
Telecanal
Revista Tv y Novelas

6. Evento “Ni un brillo” del 2006
La Isla Vip
Festival de Viña 2006
El nuevo formato de Mekano
El partido de la selección chilena donde jugo Maradona
Las bomba Molotov que pego en La Moneda

7. Funcionario de Gobierno “Ni un Brillo”
Andrés Zaldivar (ex ministro del Interior)
Martín Zilic (Ex Ministro de educación)
Yasna Provoste (Ministra de Mideplan)
Catalina Depassier (Sub-Secretaria Chiledeportes)
Andrés Velasco (Ministro de Hacienda)

8. Premio “Ni un brillo” en deportes
Ronaldo
Frank Lobos y los sobornos
Zidanne y su cabezazo a Materazzi
La quiebra de la U. de Chile
Reinaldo Sánchez (Don Choco)

9. Premio “Ni un brillo” en la TV
Mekano Recargado
Vuelve el Lunes
La noche de Cecilia
Chile Elije
La Isla Vip

10. Premio a la “Genial” Idea….o sea, “Ni un Brillo”
No aceptar publicidad de la Teletón en Las Condes
La Pastilla del día después
Cerrar el barrio El Golf
La Autopista en altura por Américo Vespucio
Asignar directamente recursos de Chiledeportes

11. Premio “Ni un Brillo” en politica
Martin Zilic
Guido Girardi
Cristian Labbe
Sebastián Piñera
Michelle Bachelet

12. Premio “Ni un brillo” en la farándula
Paulina Nin
Rodrigo Danús
Francisca Garcia-Huidobro
Karen Doggenweiller
Pamela Diaz

13. Premio “Ni un brillo” en Cine
El rey de los Huevones
Fuga
La sagrada familia
Kiltro
Rojo, la película

14. Premio “Ni un brillo”, el regreso
Karen Doggenweiller
Margoth Kahl
Belisario Velasco
Carola Julio
Emeterio Ureta

15. Premio Organizmo que no tiene “Ni un Brillo”
El Consejo de educación
UDI
Chiledeportes
MINEDUC
PPD

16. Premio “Ni Un Brillo” en la contingencia…es decir, a quien le importa
La ruptura de J.C.Rodriguez y Francisca García-Huidobro
El Affaire Chino Rios – Amalia Granata
La teta de Maura Rivera
El intento de suicidio de Paulina Nin
Pamela Diaz en un ascensor “dirigiendose” al país

17. Premio al periodista “Ni un brillo”
Julio Cesar Rodríguez
Pamela Jiles
Mauricio Israel
Amaro Gomez-Pablos
Francisco Sotomayor

18. Premio “Ni un brillo” a la Trayectoria, es decir, que durante toda su carrera…a nadie
Carlo Von Mühlenbrock
Jose Miguel Viñuela
Roberto Dueñas
Mauricio Israel
Paulina Nin

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Gracias por votar!!!

Air Supply

2006-11-27T16:09:00.000-03:00

Ellos son un grupo definido como soft rock o rock suave. Para efectos prácticos, aunque se trata de una banda, es el dúo de Rusell Hirchcock y Graham Russell quienes dieron alma a Air Supply. Ambos se conocieron tocando en Sydney, Australia, para la producción de Jesucristo Superestrella hacia 1976. Al poco tiempo y junto a otros músicos formaron Air Supply, que durante mucho tiempo no logró proyectarse fuera de Australia. Es a fines de los 70’s cuando se presenta su oportunidad; Rod Steward los invita a abrir su tour en Norteamérica como teloneros. Ya para 1980 firman contrato Arista Records y realizan su primer álbum titulado “Lost in love” que fue un tremendo éxito en los EEUU, vendiendo más de dos millones de copias y logrando tres número uno, entre ellos “All out of love”. Su segundo disco “The one that you love” también fue bastante exitoso, aunque no tanto como su álbum debut. Con sus posteriores producciones Air Supply fue decayendo en popularidad aunque siguió marcando hitos con canciones como “Making love out nothing at all” de su disco “Greatest Hits Collection” de 1983. Luego de su disco “Hearts in Motion” (con el que no pasó mucho) se disolvieron, para luego volver a reunirse en 1991 realizando “Earth is”, luego “Vanishing Race” y “News from Nowhere”, que no lograron volver a ponerlos dentro de los primeros lugares.

Los Angeles de Charlie

2006-11-27T09:53:00.000-03:00

Había una vez tres muchachitas que fueron a la academia de policía... Así empezaba la presentación de esta serie que fue muy popular a finales de los años 80 en nuestro país. Las chicas se hicieron muy famosas como el caso de Farrah Fawcett, un verdadero Boom que llenaba las habitaciones de los chicos con posters y fotografías.
La agencia de detectives de Charlie Townsend es una de las pocas en el mundo que reúne competencia, eficiencia y belleza. Sí, mucha belleza. Como ex-agente de las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos, Charlie (en la voz de John Forsythe) sabe que mucha gente precisa ayuda y puede pagar por ello. Así nació la idea de crear una agencia de detectives, en la que sus agentes son mujeres habilidosas con las armas y en la defensa personal y, también, en el arte de la seducción.

El primer equipo de detectives está formado por las ex-policías de Los Ángeles, Kelly, Jill y Sabrina, todas coordinadas por John Bosley, el contacto entre los ángeles y el propio Charlie, el jefe que nunca muestra la cara en la agencia. Enfrentando todo tipo de peligro, los ángeles de Charlie saben como lidiar con situaciones difíciles. Y para eso no dudan en usar su más poderosa arma - sus encantos. Además de Kelly, Jill y Sabrina, la agencia de Charlie también cuenta con la ayuda de otros ángeles como Tiffany, Kris, hermana de Jill, y Julie. Todas ellas dispuestas a todo para resolver un caso.

*Reparto*
*Farrah Fawcett*		Jill Munroe
*Kate Jackson*		Sabrina Duncan
*Jaclyn Smith*		Kelly Garrett
*Shelley Hack*		Tiffany Welles
*Cherryl Ladd*		Kris Munroe
*Tanya Roberts*		Julie Rogers
*David Doyle*		John Bosley
*John Forsythe*		La voz de Charlie en la versión original

THE BEATLES

2006-11-27T09:30:00.000-03:00

The Beatles fue un grupo de rock británico. El cuarteto se formó en la ciudad de Liverpool (Inglaterra) en 1957 y se disolvió en 1970. Es considerado como el grupo musical más influyente y exitoso del Rock.
El grupo estaba compuesto por:
John Winston Lennon (Liverpool, 9 de octubre de 1940 - † Nueva York, 8 de diciembre de 1980)
James Paul McCartney (Liverpool, 18 de junio de 1942)
George Harold Harrison (Liverpool, 25 de febrero de 1943 - † Los Ángeles, 29 de noviembre de 2001)
Richard Starkey (Ringo Starr) (Liverpool, 7 de julio de 1940)
Aunque Lennon y McCartney fueron los principales compositores, Harrison y Starr hicieron algunas contribuciones significativas a la maduración de la banda a través de los años. George Martin produjo todos sus álbumes a excepción de Let It Be, que fue producido por Phil Spector.
A veces se llama el "quinto Beatle" a su mánager Brian Epstein (Liverpool, 19 de septiembre de 1932 - Londres, 27 de agosto de 1967) otras veces a su productor George Martin (Londres, 3 de enero de 1926), o a Billy Preston (Houston, Texas, 9 de septiembre de 1946 - Scottsdale, Arizona, 6 de junio de 2006).
Cabe destacar que, aunque popularmente se dice que los Beatles eran una banda de pop, en realidad, su música era Rock and roll, inconfundible en su álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, y por su gran influencia en el rock que ellos revolucionaron.

En la segunda mitad de la década de 1950, John Lennon y sus amigos Pete Shotton, Nigel Whalley e Ivan Vaughan formaron un grupo de música al que llamaron The Quarrymen al que, en la fiesta parroquial de la iglesia de San Peter en Woolton del 6 de julio de 1957, se añadió Paul McCartney; seguido poco más tarde por George Harrison, que era amigo de Paul. The Quarrymen empezó a tocar en diversos locales de Liverpool, momento en el que se les unió el pintor Stuart Sutcliffe al que convencieron para que se comprara un bajo con los beneficios de una exposición de pintura. El nombre del grupo iría sufriendo nuevas variaciones, como Johnny and the Moondogs, Long John and the Silver Beatles, The Silver Beatles, hasta optar finalmente por el de The Beatles.
El grupo de Liverpool comenzó a forjar sus destrezas y acumular experiencia escénica en la ciudad de Hamburgo, Alemania a donde llegaron en agosto de 1960. Con la promesa de tocar regularmente en el club Kaiserkeller, dirigido por Bruno Koschmider, Alan Williams envió a los Silver Beatles a Hamburgo. Antes de su partida, se unió al grupo Pete Best como batería, miembro que hacía falta. Otro gran cambió fue el reemplazo del nombre Silver Beatles por sólo The Beatles.
Pero una vez más el quinteto entró en una completa desilusión. No estaban tocando en el Kaiserkeller, sino en un sucio y triste lugar llamado el Indra Club. The Beatles tenía que tocar una gran cantidad de horas y a cambio Bruno les proporcionaba un lugar donde vivir. Pasó el tiempo y el contrato de The Beatles fue ampliado, de manera que éstos pasaron a tocar por fin en el Kaiserkeller. Pero no duró mucho más su relación con Koschmider, ya que al finalizar su contrato se pasaron a un nuevo club llamado Top Ten. Cuando Bruno se enteró de la "traición" les mandó a la policía, que obligó a George a volver a Liverpool debido a que no tenía 18 años y le faltaba documentación para trabajar. Una vez más el grupo de John encontraba una piedra en el camino.
Todos volvieron a Liverpool. Pero una vez que George cumplió 18 años, volvieron a Hamburgo a presentarse en el club Top Ten. Durante su segunda estadía en Hamburgo, luego de una de sus cuantiosas funciones, el grupo fue ferozmente atacado por una pandilla de Teddy Boys, que le provocaron a Sutcliffe una lesión cerebral, la cual fue, tiempo después, el factor de su muerte. The Beatles regresaron hacia los 60 a Liverpool, y Stu se quedó en Hamburgo con Astrid, una fotógrafa que había conocido allí. La formación de The Beatles quedó definitivamente consolidada con John, Paul, George y Pete Best.
Cuando volvieron a su ciudad natal eran tan populares que un joven que estaba encargado de la sección de discos en un negocio familiar de venta de muebles y electrodomésticos (NEMS) fue a verlos tocar. El joven era Brian Epstein, que les tomó como manager. Fue gracias a él que el look de los Beatles en sus primeras épocas fuese uniformado y pulcro.
Los Beatles fueron rechazados por muchas compañías de discos, como la Decca, que, sin embargo, después contrataría a los Rolling Stones para enmendar su error. Fue George Martin, un joven productor de una subdivisión de EMI, la hasta entonces impopular Parlophone quien les admitió para grabar un primer disco, aunque bajo la condición de emplear a un batería profesional, lugar que por entonces ocupaba Pete Best. Debido a diferencias musicales y el supuesto desinterés de Best con el grupo, los otros Beatles decidieron despedirlo para reemplazarlo por Ringo Starr (nacido Richard Starkey) quien les prestaba ayuda cuando Best no se sentía motivado para colaborar con la banda. El resultado fue su primer single, Love Me Do, que alcanzó un buen puesto en las listas de ventas para ser un primer disco, pero que, desde luego, no fue un número uno.En esa primera grabación el batería no fue Ringo,quien meramente tocó una pandereta,sino el músico de estudio Andy White. Love Me Do apareció el 5 de Octubre de 1962 y alcanzó el número 17 en las listas.

Ya en 1963, Please, please me y poco después From me to you y She loves you accederían de nuevo a puestos de honor en las listas británicas. Su primer LP Please Please Me (1963), grabado íntegramente en un solo día, permaneció 29 semanas en el número 1 y 61 semanas en el top 10, batiendo el récord de permanencia de un disco en lo más alto del ranking británico. Después siguieron con With The Beatles.
Lo que había que hacer a continuación, según Epstein, era invadir el mercado norteamericano. Con gran anticipación publicitaria y con un nuevo sencillo bajo el brazo, el archipopular I Want To Hold Your Hand, los Beatles llegaron a Estados Unidos el 7 de febrero de 1964, sólo unos meses después del asesinato del presidente John F. Kennedy. Alcanzaron el número 1 en los Estados Unidos justo antes de la gira americana de 1964, un país históricamente contrario a los grupos británicos, batiendo récords de audiencia en sus actuaciones televisivas (en el Show de Ed Sullivan) y vendiendo millones de discos.
Este fenómeno fue denominado Beatlemanía, especialmente porque sus fans gritaban y bailaban al ritmo de sus canciones.
Rodaron su primera película A Hard Day’s Night consiguiendo muy buenas críticas y fueron comparados con los mismísimos hermanos Marx. El disco de la banda sonora de la película A Hard Day’s Night y Beatles For Sale fueron lanzados en 1964.
En 1965 rodarían otra película: Help!, dando lugar al disco del mismo título, en el que se incluía la canción Yesterday, titulada originalmente por McCartney "Scrambled eggs" También en el 65 editarían otro disco casi fantástico en el que ya se veían aires de cambio en la música, Rubber Soul. En este disco la música de los Beatles ya se veía más compleja de todo lo anterior escuchado de la banda, grandes melodías, más efectos de sonido y unos Beatles que tenían un plus de inspiración por su entrada en el mundo de las drogas; quizás este factor permitió que ellos tuvieran más libertad en la creación y experimentación de la música y este disco fue el nexo entre la beatlemanía y la desinhibición musical que vemos en su próxima etapa, quizás la más rica.

En su siguiente álbum, Revolver, que sale a la venta en agosto de 1966, se puede ver un trabajo ciclópeo de producción arropando melodías y ritmos novísimos, frescos y vanguardistas. George Martin se había hecho perfecto cómplice de las inquietudes del cuarteto y se acopló maravillosamente a los nuevos paisajes que ofrecía la música de Revolver, paisajes que iban de lo clasicista a lo iconoclasta, de lo simple a lo intrincado, demostrándonos a lo largo de sus múltiples transformaciones la presencia de un amigo poderoso y diferente a todo lo que antes había sido materia prima para la inspiración del grupo: el LSD, viejo conocido y souvenir de sus recientes giras por América, y presente ya, aunque de manera tímida en algunos pasajes de "Rubber soul", era aquí en Revolver el protagonista.
Pero, a pesar de tantos éxitos, el grupo tendría que hacer frente a diversos escándalos, siendo el más destacable el producido a raíz de una entrevista de John Lennon en la que afirmaba que «los Beatles eran en ese momento más famosos que Jesucristo» (en realidad lo que Lennon había querido decir era que «El Cristianismo esta tan en Decadencia que Los Beatles son más famosos que Jesus»). En multitud de países religiosos organizarían quemas de discos con muchas buenas razones y la banda fue vetada en la radio.
Los Beatles abandonaron las giras definitivamente siendo el concierto de San Francisco el día 29 de agosto de 1966 el último de su carrera. Después de esto, el grupo se dedicaría a descansar y a preparar su próximo disco: (Sgt. Pepper's Lonely Hearts club Band).
A finales de 1966, se publica un álbum recopilatorio de Parlophone llamado A Collection of Beatles' Oldies, en el que se incluyen los éxitos antiguos Beatles, incluyendo un tema inédito del rockero Larry Williams Bad Boy, de la época del Cavern Club.
El 1 de Junio de 1967 lanzaron su obra más innovadora, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, un LP que marcaría el nacimiento de la música psicodélica y supuso un rotundo éxito mundial para el grupo británico, que alcanzó el número uno simultáneamente en las listas británicas y estadounidenses. La memorable portada fue hecha por Peter Blake. Esta tapa estaba en la duda de la EMI por los problemas que podría traerles ya que en este collage estaban casi cien caras de famosos, y la compañía buscaba no tener conflictos judiciales; se eliminó la imagen de Mohandas Ghandi y la imagen de Jesucristo para no generar conflictos tanto en la India como en la comunidad cristiana, ya dolida por las declaraciones de Lennon en 1966 al decir que "los Beatles son más populares que Jesucristo".
Los Beatles serían los representantes del Gran Bretaña en la primera emisión vía satélite en televisión para todo el mundo, interpretando All you need is love el 25 de junio de 1967.
El 27 de agosto de 1967 muere su mánager Brian Epstein de una sobredosis accidental de medicamentos (aunque también se ha contemplado la hipótesis del suicidio); tras este fallecimiento, los Beatles nunca levantarán cabeza en el plano económico embarcándose en proyectos que fracasarán estrepitosamente y que serán otro motivo a tener en cuenta en la disolución de la banda. También en 1967, bajo una idea de Paul McCartney, produjeron la película para televisión Magical Mystery Tour, con la posterior edición del trabajo discográfico del mismo nombre.

En 1968 publican el álbum y la película Yellow Submarine. John Lennon conoce por esta época a la artista japonesa Yoko Ono, la cual le influenciará enormemente, creando una continua molestia en el seno de la banda. Hasta ahora muchos fanáticos de la banda inglesa le atribuyen las fisuras que terminaron por romper la unidad del grupo.
Con la gran cantidad de canciones compuestas en la India y a su regreso a Londres, editaron el doble LP The Beatles, más conocido como el "Álbum Blanco". Este periodo del grupo se cerraría con Hey Jude siendo uno de los singles más vendidos de la historia.
Pero las tensiones dentro del grupo iban siendo cada vez más notables. Todo esto quedaría grabado en el siguiente proyecto, el documental que empezó llamándose Get Back para terminar siendo Let It Be. Después de dar el famoso "concierto de la azotea" en el edificio de su sello discográfico Apple en el centro de Londres el 30 de Enero de 1969, los Beatles no quedaron contentos con el disco y no se editaría hasta casi un año después con orquestación a cargo de Phil Spector.
Los Beatles decidieron entrar en el estudio por última vez para grabar el que iba a ser su último disco (aunque se puso a la venta antes que Let it be), el imprescindible Abbey Road (1969).
Lejos de unir al grupo, el disco acabó por separarlo del todo, juntándose en pocas ocasiones los cuatro a la vez en el mismo estudio.
Tras la publicación de Let It Be, en 1970, las desavenencias en el seno de la formación acabaron con la disolución de la misma cuando, el 10 de Abril de aquel año, McCartney anuncia que deja el grupo y cada miembro continúa su carrera musical en solitario, sin que fructificase ninguno de los intentos de volver a reunirlos

Clark Kent

2006-11-24T04:29:00.000-03:00

Durante largos años Clark Kent siempre fue el eterno "nerd", tímido, amanerado y a veces hasta torpe. Pero luego de varias décadas de tratarlo despectivamente, de a poco se empezó a reivindicar a este paradigma del "hombre común".
«Nunca podría enamorarme de alguien como Superman, pues es demasiado perfecto. De quien sí podría enamorarme es de Clark Kent, el Superman "normal", tímido y casi despistado...»Lo anterior es la declaración que hiciera Margot Kidder, la actriz que interpretó a Lois Lane en «Superman: La Película» (Superman: The Movie, 1978), cuando le preguntaron si ella se enamoraría en la vida real de alguien como el Hombre de Acero.Desde junio de 1938, cuando apareció el Hombre de Acero, su alter ego Clark Kent siempre ha sido un personaje secundario, pese a tratarse de la misma persona.Con su aspecto (de sombrero, cuello y corbata y gruesas gafas) y personalidad (tímido, amanerado y a veces hasta torpe), Clark Kent tiene la estampa de aquellos a quienes la cultura americana ha dado por llamar despectivamente "nerds".Los "nerds" (que en otros países les dicen "cerebritos", "ratones de biblioteca", "cuatro ojos", "ñoños" o "matados") siempre han sido discriminados, hostilizados y objeto de burla por parte de los miembros "normales" de la sociedad, que los tilda de desadaptados.Hay que reconocer que fue un golpe genial el darle a Superman una doble identidad como el anónimo Clark Kent, "uno más del montón". ¿A quién se le podría ocurrir que, bajo esa apariencia de "nerd" se ocultase uno de los más grandes héroes de todos los tiempos?Perry White, su jefe, y Jimmy Olsen, un compañero de trabajo en el «Daily Planet», jamás sospecharon, a lo largo de 60 años, que las escapadas de Kent cuando Superman aparecía fuesen más que coincidencia.Solo a Lois Lane se le ocurrió que las extrañas desapariciones de Clark eran algo sospechosas. Atando cabos, muchas veces estuvo a punto de comprobar que el "cuatro ojos" Kent y el Hombre de Acero eran el mismo.¿Acaso Lois fue la primera persona que le hizo justicia a Clark Kent al ver en él un "gran potencial" oculto bajo su tan despreciada apariencia?No. Las sospechas de Lois Lane sobre la posible personalidad oculta de Superman solo estaban allí para despertar el suspenso de los lectores, ante el inminente "desenmascaramiento" de su héroe. Solo cuando Clark Kent desvirtuaba los cabos atados por su compañera de trabajo, los lectores podían respirar otra vez tranquilos.Lois Lane solo tenía ojos para Superman, pero paradójicamente, no sentía el menor interés por su compañero "corto de vista". Para ella, Superman lo era todo, y Clark Kent, un "cero a la izquierda", que a veces hasta le causaba incomodidad tener por compañero: en un corto animado de 1942 titulado «Volcano», Lois llega a robarle a Clark su pase de prensa para que la deje ir sola a hacer un reportaje.Fue en la comedia musical «It's a Bird! It's a Plane! It's Superman!» cuando se vio el primer tímido intento de "reivindicar" al pobre Kent. Lois pregunta siempre "¡Oh, Clark! ¿Ya habías llegado?", cuando ya hacía más de una hora que él estaba trabajando en un escritorio, a su lado. A pesar de esta clásica discriminación del personaje, aparece una amiga de Lois que logra ver (¡por fin!) un potencial oculto en el "tímido" Kent.Opinando que Lois y Clark harían una buena pareja, la amiga de Lois logra que ambos periodistas se unan y empiecen un romance. Sin embargo, al final Lois le dice a Kent un "lo siento", pues ella se ha dado cuenta de que al único hombre que ama y amará es a Superman.Clark Kent continuó solitario y anónimo por un buen tiempo, eludiendo las ocasionales sospechas de Lois y solo atreviéndose a cortejarla en su personalidad de Superman. Y parecía que así seguiría indefinidamente. Pero, en los años ochenta, algo cambió en la mentalidad de los americanos.Hollywood rodó un film titulado «La Venganza de los Nerds» (Revenge of the Nerds, 1984), donde los desadaptados "cuatro ojos" se ganan la simpatía de todo el público. Fue el inicio de una serie de reivindicaciones para los "cerebritos", que dejaban de ser objeto de burla para convertirse en protagonistas y hasta héroes de todo tipo de argumentos; en la época en que el mundo comenzaba a depender de las computadoras, los únicos que las sabían manejar a la perfección ya no podían ser vistos con el antiguo desprecio que se le daba al "nerd".Ante este cambio de mentalidad, Clark Kent no podía quedar al margen.En la película «Superman IV: En Busca de la Paz» (Superman IV: The Quest for Peace, 1987), aparece en el «Daily Planet» un personaje femenino: Lacy Warfield, interpretada por Mariel Hemmingway, la cual siente un gran interés por Kent casi desde el primer momento que lo ve. Se presenta así una curiosa situación: mientras que Superman sigue su romance con Lois, Clark inicia un romance con Lacy.Superman ya encontró el amor en Lois Lane, la que tanto lo desprecia en su personalidad de Clark. Kent, por el contrario, siempre ha estado solo. ¿Es eso justo? ¿Acaso no tiene él también derecho a tener un romance con la única mujer que se interesó sinceramente por él? ¿O solo porque Superman desea serle "fiel" a Lois (la misma que ve a Clark como un "cero a la izquierda"), Kent debe dejar pasar esta "oportunidad única"?Este interesante planteamiento estilo "doble personalidad", que habría dejado perplejo a Freud, es desaprovechado, y esta cuarta película de la serie de Superman (que muchos señalan como la peor de todas) solo se limita a mostrar unas jocosas escenas donde Superman debe atender una cita con Lois que es simultánea a otra cita de Clark con Lacy.Mientras tanto, las cosas mejoraban un poco para Kent en los cómics: Clark escribe unos libros, gana un Premio Pulitzer, aparece en un noticiero de televisión... podría decirse que su "rango social" sube y deja de ser "uno más del montón" para ser un periodista de cierto prestigio... aunque su relación con Lois Lane sigue igual que siempre.Hasta que, en la década de los noventa, aparece la teleserie americana «Lois & Clark: Las Nuevas Aventuras de Superman» (Lois & Clark: The New Adventures of Superman), donde el personaje del "suave y amanerado reportero" da un salto inesperado.La serie, ambientada en los noventas, nos da un enfoque totalmente nuevo. Fiel al cómic original, Lois también le da un trato despectivo a Kent, mientras que sus cinco sentidos están puestos en Superman... al principio. Conforme avanza la serie, Lois comienza a darle un mejor trato a Clark, que luego pasará a amistad y finalmente... ¡a romance! Por otro lado, se da cuenta de que lo que en realidad sentía por Superman solo era una gran admiración.Lois y Clark llegan a comprometerse en matrimonio, para sorpresa nuestra. Y poco antes de la boda, Clark le revela que aquello que ella siempre estuvo sospechando a lo largo de 60 años en los cómics es cierto: Clark Kent y Superman son la misma persona.[Dato curioso: en toda esta serie, nunca Lois tiene la menor sospecha acerca de las extrañas desapariciones de Clark cuando Superman aparece... o al menos yo no he visto ningún capítulo donde esto ocurra].Aparte de este aspecto, Clark Kent ya no es aquí el personaje secundario (pese a mantener su aspecto clásico). Tiene un cierto protagonismo al lado de Lois (notarán que su nombre se incluye en el título de la serie) y, a veces, hasta logra una cierta atención especial por parte de la teleaudiencia (atención que antes era monopolio exclusivo del Hombre de Acero).Después de seis décadas de estar en un segundo plano, el célebre reportero del «Daily Planet» puede exclamar: "¡Al fin se me hizo justicia!"

Para la risa. . . .

2006-11-24T03:54:00.000-03:00

Me parece que a esta señorea hay que enseñarle a usar la "camaritra"

Evolucion Humana

2006-11-24T03:49:00.000-03:00

Sin Comentarios!!!

Gracias MAURA!!!!!!

2006-11-24T03:45:00.000-03:00

Simplemente GRACIAS!!! y cabe señalar tambien agradecimientos al fotografo Richard Salgado.

Esta foto quedara en los anales de nuestra memoria, por siempre.....

O sea, totalmente "De Culto"..

Te pasaste!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

Ronaldinho Destapador

2006-11-24T03:42:00.000-03:00

El astro del futbol mundial acaba de lanzar su nuevo modelo de destapador.. ¿Que les parece?.

BLACK EYED PEAS

2006-11-22T21:04:00.000-03:00

The Black Eyed Peas es una banda musical estadounidense, que toca música hip-hop con una mezcla de soul y pop. Originarios de Los Angeles, California, adquirieron fama con el lanzamiento del álbum "Elephunk" y el más reciente "Monkey Business", pero principalmente cuando Fergie se integró al grupo en el año 2003. Lanzaron a nivel mundial grandes hits como "Hey Mama", "Pump It", Don't Phunk With My Heart, "Where Is the Love?", "Shut Up" y "My Humps", que a su vez, los convirtieron en parte de la cultura pop contemporánea. Actualmente la agrupación está compuesta por will.i.am, Fergie, Apl.de.ap y Taboo.

La banda se inició en el año 1989, cuando se graduaban will.i.am (Nacido bajo el nombre de Will Adams) y Apl.de.ap (Nacido como: Allen Pineda), juntos empezaron a darse a conocer en algunas calles de la ciudad de Los Ángeles. Más tarde se les uniría el sobrino de su en ese entonces manager Jery rivera Heller quien pertenecía a Ruthless Records. Años más tarde pudieron editar su primer material discográfico, pero nunca fue lanzado por su supuesta compañía disquera (Ruthless Records), la cual no consideró que la respuesta del material fuese positiva y generara buenas ventas.
Después el sobrino de su manager murió en el '95 de SIDA. Fue sustituido por Jaime Gómez quien entró a la agrupación y se dio a conocer artísticamente con el nombre de Taboo. Su primer disco, "Behind the Front", fue lanzado en 1998. Sorprendieron a parte del sector especializado con un hip-hop "desvergonzado" y un soul "duro". En él aparecen canciones como "Positivity" y "Be Free".
Dos años más tarde editan "Bridging the Gap". Las ventas fueron esquivas para un disco convencional y pop, con canciones sutiles y bailables, en un álbum en el que colaboraron entre otros Macy Gray en la canción "Request + Line" y "Esthero" en la canción "Weekends", además una de las canciones que les dio a conocer más fue "BEP-Empire".

El álbum que los daría a conocer fue sin duda "Elephunk", lanzado en el año 2003 junto a un nuevo vocalista quien como atractivo visual resultó ser lo que impulsó la carrera de la agrupación, se trataba de Stacy Ferguson mejor conocida como "Fergie", previamente ella formaba parte de la no muy exitosa banda femenina llamada Wild Orchid. Como Stacy (Fergie) ya no formaba parte de la femenina agrupación rápidamente fue reemplazada por la cantante Kim Hill.
Del "Elephunk" se lanzó el hit más grande que han tenido los Black Eyed Peas titulado "Where Is the Love?", llegó a la posición no. 8 en el Billboard Hot 100, y fue número 1 prácticamente en cualquier lugar del mundo por decirlo de alguna manera, incluyendo unos de los mercados musicales más importantes: el Reino Unido y Australia donde permaneció durante 6 semanas en el primer lugar de ambas listas. A este gran éxito le siguió "Shut Up", llegó al puesto 2 en Gran Bretaña, y al número 1 a mercados importantes a nivel Europa como Francia y Alemania. Elephunk hasta la fecha ha registrado ventas de más de 7 millones de copias vendidas a nivel mundial, pero éstas serían superadas por su siguiente material discográfico el más exitoso para ser específicos.
Las canciones "Let's Get Retarded" fue re-estilizada como "Let's Get It Started" para un comercial de las finales de la NBA. Más nueva, menos ofensiva, tuvo un gran éxito especialmente en iTunes. La canción fue nominada en el 2005 para dos premios Grammy en la categoría de Grabación del Año y Mejor Interpretación Rap por un Dúo o Grupo. Durante una emisión de la cadena MTV re-grabaron la canción junto con "Shut Up" para un programa especial donde se mostraba un videoclip en el que personajes del videojuego "The Urbz: Sims in the City" la cantaban.

El cuarto material discográfico se titula "Monkey Business", fue lanzado a finales de mayo en los Estados Unidos y parte de Europa, y el 7 de junio en el Reino Unido. El primer sencillo del álbum es "Don't Phunk with My Heart" canción que les otorgó su segundo Grammy en la categoría de Mejor Interpretación Rap por un Dúo o Grupo, se convirtió en un hit en el Billboard Hot 100 ya que alcanzó la posición no. 3 la más alta a la que la agrupación había logrado llegar, y repetirían la hazaña más adelante con su tercer single "My Humps" que se convirtió en el tono de celular más descargado en la historia. Sin embargo, fue muy criticada porque la letra de la canción mostraba un contenido abiertamente sexual de una forma vulgar, recibió críticas muy fuertes, pero eso no fue ningún impedimento para que fuese un hit a nivel mundial. El sitio web llamado Something Awful le dio el premio a la Canción más Estúpida del Año. El álbum "Monkey Business" debutó en la posición #2 en el Billboard 200 vendiendo arriba de 295,000 copias en la primera semana que salió a la venta, más tarde fue certificado con tres discos de platino, sin duda ha sido el material discográfico más exitoso de la agrupación.
Durante el mes de septiembre de 2005, se lanzó por iTunes una lista de los grandes éxitos de la agrupación puesto que sé desintegrarán a finales del año 2006, las canciones fueron re-grabadas por la banda, las que sobresalen son "Don't Lie", "Shut Up", y una nueva versión de su hit "Where Is the Love?".
La banda iba a abrir la Copa Mundial de Futbol Alemania 2006 con un concierto al lado de artistas influyentes a nivel mundial, sin embargo mediante un comunicado enviado el mes de enero que oficialmente se cancelaba la presencia de la agrupación por motivos que no fueron claramente revelados a los medios de comunicación.
Los Black Eyed Peas establecieron la "Pea Pod Foundation" para ayudar a los niños que sufren alrededor del mundo por violencia u otros factores. La fundación es administrada a través de "Entertainment Industry Foundation". El 6 de febrero de 2006, en un concierto que dieron en Los Ángeles más específicamente Hollywood para benecifiar a la fundación al lado de Jessica Simpson y otros cantantes más.
El 21 de marzo de 2006, los Black Eyed Peas lanzaron un álbum remix, titulado "Renegotiations: the Remixes" por iTunes (página de la compañía Apple donde se pueden encontrar canciones, imágenes y videos para descargar a los reproductores de música iPod). Contiene versiones remix de Ba Bump, My Style, Feel It, Disco Club, They Don't want Music, Audio Delite, y la versión estándar de la canción Like That la cual se lanzó con un video musical para promocionarlo, aunque en realidad no se sabe si puede ser considerado como un single ya que solamente se filmó el videoclip que ha sido presentado en algunos canales de las cadenas video musicales.
El 28 de marzo de 2006, "Renegotiations: the Remixes" fue lanzado en formato de disco compacto, sin un video musical para promocionarlo.

40 hitos de la TVchilena

2006-11-20T02:31:00.000-03:00

Mundial de 1962
La transmisión televisiva del campeonato de balompié revela claramente la paradoja que vivía el naciente sistema local. Pese a tratarse de canales de carácter "cultural-educativo", debieron hacer frente a la presión que un país futbolizado -y sin una alternativa de TV comercial- ejerció sobre ellos y finalmente se esmeraron en efectuar la mejor transmisión posible. Canal 8 llevó las alternativas futbolísticas gracias a un equipo de TV mexicano, mientras el de la UC se proveyó de un completo equipo adquirido en EE. UU. Canal 9, en tanto, compró un equipo móvil apoyado por la conducción de Patricio Bañados y la actriz Diana Sanz. Como legado, el Mundial marcó un salto en la profesionalización televisiva así como la entrada de la TV en la sociedad de consumo: para fines de 1962 ya había veinte mil aparatos, cuatro veces más que en 1959.
Sábados Gigantes
Nacido como Sábados Alegres, en 1962, el programa animado por el diseñador de vestuario Mario Kreutzberger partió como una adaptación de Los Sábados Circulares, del Canal 9 de Buenos Aires. Pese a ser calificado por cierta prensa como "antipático" y "volantín de melones", Don Francisco -como se hizo llamar tempranamente- supo tocar una fibra en la audiencia con un estilo que se impuso en nuestro medio y que debe bastante a los programas de variedades de la TV estadounidense y la versatilidad de su conductor. Así fue como el programa se convirtió en el primero en entregar un premio (un corte de género Diolén) y en obsequiar un vehículo. Todo ello, en un esquema familiar que superaba las seis horas y que incluyó secciones de antología, como La cámara indiscreta, Los Eguiguren y Solteras sin compromiso. Asimismo, el éxito del espacio se traspasó a Noche de Gigantes, donde Don Francisco hizo las veces de un Johnny Carson local: un conversador locuaz y divertido.
Esta es mi familia
"Fue la primera teleserie y programa en vivo de la televisión", recuerda Emilio Gaete, protagonista junto a Malú Gatica de este espacio que en 1963 hablaba de la cotidianidad de un hogar desde una postura cristiana. Juani en Sociedad fue su sucesora y la serie cómica más exitosa de Canal 13 hasta 1971, contando entre sus libretistas a José Donoso. Se transmitía los miércoles y narraba las aventuras de la singular familia Moller Mckay: Silvia Piñeiro, Emilio Gaete y Sonia Viveros. El programa tuvo una segunda versión en Canal 11 desde 1981 a 1985 y luego una breve y tercera generación en La Red en 1995. "Fue una pena lo que ocurrió en esa última temporada ya que, luego de 10 días de transmisión, Chile Films se dio cuenta que el programa costaba el doble de lo que le cobraba a La Red. Así es que tuvimos que salir del aire", señala Gaete.
La historia secreta de las grandes noticias
Aunque Reporter Esso, conducido por Pepe Abad en Canal 13 en 1964, es considerado el primer noticiario de la televisión chilena, no fue hasta La historia secreta de las grandes noticias (1965) que el género informativo alcanzó mayor elaboración. Logrando récords de audiencia, el programa conducido por Manuel Mendoza y creado por José Gómez López, logró importantes golpes noticiosos. Como anécdota, se dice que el primer garabato que se escuchó en televisión fue pronunciado en este espacio por un delincuente que se encontró frente a las cámaras con el detective que lo perseguía por años. A mediados de 1966, se había preparado un reportaje sobre la matanza del Seguro Obrero (ocurrida en 1938), donde se mostraba a personajes de la vida política vistiendo uniformes nazis y saludando con la mano en alto. El rector Silva Santiago prohibió su salida al aire, lo que motivó la renuncia de Mendoza, Gómez López y Edwin Harrington, director del área periodística de Canal 13.
Las series extranjeras
El cronista Hernán Millas sostiene que las seriales internacionales son casi tan antiguas como la llegada de la televisión al país. Una de las primeras producciones fue Los Picapiedras, en 1964, que se transmitía a las 21:00 horas, convocando a toda la familia, mientras hoy se ve relegada a la franja infantil. Hacia 1965 aumentaron los programas extranjeros como La Hechizada, El Fugitivo y La familia Adams, entre otros. Según Millas, fue Bonanza la primera serial "adulta" que causó un auténtico impacto. "Los niños jugaban a ser una familia del oeste de Estados Unidos e imitaban a sus personajes", recuerda. Hacia 1968 varias seriales ya estaban consolidadas. Bonanza encabezaba las preferencias de la época con un 90 % de la teleaudiencia; seguida por FBI en acción (87 %); Misión Imposible (86 %); El agente de Cipol (81 %) y La caldera del diablo (26 %).
Pin Pon
"Canal 13 le pidió a Jorge Guerra que creara un programa para párvulos. Fue a partir de ese requerimiento que nacePin Pon en las pantallas de la televisión chilena, en 1965". En esos términos recuerda el productor Manuel Vergara el nacimiento del mítico muñeco "con cuerpo de algodón". Pin Pon se insertaba en ese momento en los planes educativos de la estación que intentaba dar forma a una programación infantil propia. Según Vergara, Jorge Guerra no sólo fue innovador al crear un personaje que cumplía con una intención didáctica a través del juego y la fantasía. También fue pionero en la creación de los "efectos especiales" de la época, al introducir la técnica del cromo para hacerse pequeño y trasladarse mágicamente de un lugar a otro en pantalla. "Las malas lenguas cuentan que el proyecto fue enviado a México y tiempo después salió el Chapulín Colorado con sus pastillas de chiquitolina", recuerda Vergara.
Eleodoro Rodriguez Matte
El 2 de enero del 68 sin duda fue una de las fechas más importantes en la historia de UC-TV. Ese día Eleodoro Rodríguez Matte asumía la dirección general de un canal católico devastado por una dura crisis económica. En este contexto, el hombre fuerte de UC-TV debió racionalizar recursos humanos y económicos. Además, se preocupó de las relaciones entre Protel, encargado de las ventas publicitarias, y la estación, lo que significó que fuese el propio canal quien manejara autónomamente sus relaciones comerciales, consiguiendo, hasta esta fecha, conservar la tajada más grande de la torta publicitaria televisiva. Tanto su primera gestión, hasta 1969, como la segunda, desde 1974, fueron plenamente exitosas en el plano económico: logró un saneamiento de las finanzas, generó utilidades y saldó las deudas con la universidad. Además, su constante preocupación por mantener una línea programática inquebrantable lo ha hecho ser merecedor del apoyo de altos sectores de la Iglesia Católica.
A esta hora se improvisa
Transmitido a partir de 1969, por Canal 13, este programa partió como una tertulia conducida por Jaime Celedón donde se debatían temas culturales y sociales, pero se transformó en un programa esencialmente político. "Se transmitía en directo y tenía una sintonía enorme: verdaderos mares humanos llegaban hasta la Universidad Católica para esperar nuestra salida. A veces, existía una orden de detención contra un dirigente sindical invitado como León Vilarín. Investigaciones llegaba a detenerlo al programa y Vilarín era internado en el hospital de la UC y sacado al otro día en ambulancia", recuerda Celedón. Muchos panelistas llegaban a la sala de maquillaje con "seis guardaespaldas y ametralladoras, "como es el caso del director de Investigaciones de la época, Coco Paredes". El programa terminó en 1973 con el golpe de Estado, pero Celedón grabó cuatro capítulos en la clandestinidad: "Uno de ellos se realizó en el gimnasio de un colegio de monjas. El general Leigh aceptó enfrentar a las fuerzas que estaban en contra", recuerda.
La manivela
Hasta la llegada de La manivela, a principios de los 70, la TV chilena transmitía un humor orientado a la farsa, a contar chistes. "Nosotros optamos por un humor de situaciones con un transfondo crítico", afirma Jaime Celedón, uno de sus creadores, junto a Julio Jung, Nissim Sharim y Delfina Guzmán. El programa, si bien gozó de gran sintonía, vivió momentos complicados, y varias veces no salió al aire. "Entonces era director de Canal 13 el padre Raúl Hasbún, quien no nos aceptaba todas las locuras", sostiene Celedón. Otro "bajón" ocurrió en los años 90: "Tratamos de rehacer el programa en el Canal 7, pero fue un fracaso porque no entendimos el proceso de cambio que había experimentado la sociedad chilena", admite.
Música libre
Camilo Fernández -que había dejado su cargo de director artístico de la compañía de discos IRT tras negarse a ingresar al PS- fue el creador de este exitoso programa transmitido por TVN entre 1970 y 1974. Inspirado en un espacio argentino llamado Música en libertad, mostraba a jóvenes bailando despreocupadamente. Canciones como Salta pequeña langosta, Quiero gritar que te quiero o How do you do se convirtieron en imperdibles de las fiestas de entonces. Siempre primera sintonía, el espacio beneficiaba al noticiero estatal, arma propagandística de la UP. Sin embargo, sectores de extrema izquierda del canal lograron que saliera de la pantalla por "poco revolucionario". Ante la protesta del público y la caída de la audiencia, fue repuesto tres días después.
Las teleseries extranjeras
Saby Kamalich, la humilde costurera que con esfuerzo se convierte en una próspera empresaria, cautivó a la audiencia femenina en la telenovela Simplemente María. Transmitida por el canal de la Universidad de Chile en 1971, ésta fue la primera producción internacional en conseguir un elevado número de seguidores durante sus más de dos años de duración. Alfredo Lamadrid recuerda que "la imitación nació sola y las ventas de máquinas de coser aumentaron considerablemente en esa época". Ya en el año 67, UC-TV había incursionado con El amor tiene cara de mujer, la primera telenovela transandina presentada en Chile, pero no llegó a lograr una gran sintonía. Simplemente María marcó el inicio de una moda por los melodramas argentinos. Posteriormente, le correspondería el turno a Enzo Viena y su telenovela Nino, transmitida en 1972 por UC-TV.
11 de septiembre de 1973
Las imágenes de La Moneda en llamas captadas por la televisión chilena dieron la vuelta al mundo y dejaron en evidencia el papel que la pantalla chica podía jugar como reflejo de la memoria colectiva. Pero no sólo eso: el quiebre institucional influyó definitivamente en la manera de hacer televisión en el país y acentuó la injerencia del gobierno en la pantalla chica. Además de despidos masivos y listas negras, se tradujo en la eliminación de ciertas palabras del vocabulario televisivo. "No se podía decir solidaridad... Cuando hacíamos concursos entre colegios, uno era el equipo amarillo, otro el verde, pero nunca rojo. Tampoco podíamos decir compañeró", recuerda René Schneider, director de programas infantiles y musicales en TVN. Monos japoneses
A mediados de los setenta emergió la primera oleada de estas controvertidas series con las populares creaciones de Osamu Tesuka (Jet Marte, La Princesa Caballero y Kimba, el león blanco) Pero, sin duda, fue Heidi la que transformó el género en un fenómeno social: este melodrama de 52 capítulos se transmitía en Chile media hora antes del noticiero central de TVN. La historia creada por Hayao Miyazaki se repitió en Remi, Marco y Candy, verdaderas telenovelas para niños sobre las aventuras de desvalidos huérfanos de ojos grandes y redondos. Mazinger Z también alcanzó gran repercusión en el auditorio infantil en los ochenta y encendió una de las primeras polémicas. Padres y educadores anunciaban que los niños se contagiarían con las belicosas costumbres de los personajes, que incluían a un hermafrodita (Barón Ashler) y una robot (Afrodita A) que usaba sus pechos como misiles.
Programas infantiles "Nos gusta meter bochinche que es mejor", era el lema de un juguetón Tío Memo (Roberto Sandoval), animador de este programa, rey de la audiencia infantil entre 1976 y 1983. Transmitido por el canal de la Universidad de Chile, el espacio representó un cambio notorio en la televisión para niños: si Pin Pon era suave y educativo, Los Bochincheros apelaban a la catarsis. Uno de los concursos, por ejemplo, consistía en hacer sonar una trompeta, vencer la fuerza de un elástico grueso y llegar hasta un lugar lleno de juguetes. Conducido también por la Tía Pucherito (María Pastora), el espacio salía al aire todas las tardes de lunes a viernes y tuvo momentos inolvidables como la creación del Club de Dadores Voluntarios de Chupetes.
Jappening con ja
"Logramos 85 puntos de sintonía y nos echaron de TVN en 1981 al bajar a 35", recuerda Eduardo Ravani, uno de los cerebros de este clásico del humor con 20 años de vida. En 1983 volvieron a ese canal y, pese a las restricciones de ese tiempo, realizaron un humor visual que bombardeaba todo lo establecido en el medio, inventando a Pepito TV, por ejemplo, una hiriente parodia a Don Francisco. Incluso, Mario Kreutzberger tuvo que revitalizar su personaje llegando al extremo de "tirarse al suelo" para figurar más que la sátira de Fernando Alarcón. Nació una rivalidad: Pepito le enrostraba en cámara sus defectos ("guatón copión", le decía). En ese entonces, Don Francisco veía al Jappening como su única competencia: "Y empezó a jugar sus cartas, a levantarnos a Maitén o a Gloria y nosotros íbamos y le quitábamos a Marilú, Oscar o Pato Torres", señala Ravani.
Televisión en colores
Oficialmente, la primera transmisión fue realizada por TVN en la final del Festival de Viña del Mar de 1978. Alfredo Lamadrid, sin embargo, refuta esto: "Es un mito. Dicen que fue la primera vez. Pero creo que se daba la excusa que la señal era sólo en el extranjero". En esa época el gobierno prohibía transmitir en colores dentro del país. No obstante, Canal 13 pronto se puso al día: César Antonio Santis apareció en pantalla con una estrambótica corbata, cabellera y espesas pestañas un tanto azuladas y piel ligeramente amarilla, el 15 de febrero de 1978, en Teletrece. Existía también un impedimento del Ministerio de Economía para importar los nuevos receptores, sin embargo desde enero ya se mantenía un mercado negro a 720 dólares cada aparato y en el aeropuerto era fácil ver a los viajantes con estas ilícitas mercancías bajo el brazo. Teletón
Comenzaba el mes de diciembre del 78 y Jane Hermosilla, niña símbolo de la Teletón, aparecía junto a Don Francisco en lo que sería la primera campaña publicitaria de esta obra benéfica. La idea, tomada del comediante estadounidense Jerry Lewis, era recolectar fondos para crear un centro de rehabilitación para niños discapacitados en Santiago. Los resultados fueron óptimos: 26 empresas entregaron su aporte y el público que vivió las primeras 27 horas de Teletón, recaudó $ 84. 361. 838. Gracias a este interés de la gente, la fundación siguió realizando sus campañas, que con el tiempo se fueron convirtiendo en grandes espectáculos televisivos. Festival de la Una
Casi una década, entre 1979 y 1987, se transmitió este "estelar del mediodía", llegando a alcanzar la insólita cifra de 40 puntos de audiencia. Con la animación inconfundible de Enrique Maluenda, el espacio hizo popular el concurso Afírmese Ud. compadre, luego copiado en Cuanto vale el show y Sábado Gigante Aunque daba la impresión de ser un programa en vivo, El Festival de la una se grababa en un solo día, como señala René Schneider, director de siete temporadas: "Contratábamos a un artista y no podíamos hacerlo venir todos los días, así que lo teníamos un día completo y ahí se grababan los programas para el resto de la semana". El espacio tenía un tono muy popular, que se traducía en la entrega de recetas de cocina de $ 10 y en esos inolvidables pasajes en los que el animador instaba a sus modelos a saborear con su mejor sonrisa salsa de tomate fría. Según Maluenda, este peculiar estilo fue el que motivó su fin: "Se cortó por razones políticas, justo un año antes del plebiscito".
Dallas
Con pinta de hippie y promoviendo el consumo de la marihuana, el actor Larry Hagman vino a Chile en 1972 a filmar una olvidada película en Quintay. En ese momento ya gozaba de cierta popularidad, gracias a Mi bella genio, pero no era tan famoso como llegaría a serlo con su caracterización del malvado J. R. Ewing en una de las series más vistas de todos los tiempos. Estrenada en Estados Unidos en 1978 y exhibida en Chile a inicios de los 80, Dallas innovó en el género al presentar como protagonista al villano, quien se ganó las simpatías del público, pese a ser el más malo de los malos. La serie mostraba la vida de una familia petrolera envuelta en las intrigas de J. R. por lograr el control de la compañía. Poblada de crímenes y pecados, la historia se extendió a trece temporadas -en Chile se exhibieron seis- y su éxito motivó la aparición de similares como Dinastía , Falcon Crest, Flamingo Road y una especie de hermana menor: Vecinos y amigos.
Festival de Viña 81
Este fue uno de los mejores años del festival. La connotación política que tenía el evento lo convertía en la fiesta del verano y en el lugar exacto para que los adelantos tecnológicos debutaran en forma desmesurada. El director de los festivales de Viña de esa década, Sergio Riesenberg, recuerda: "Fueron todos muy importantes en cuanto a tratamiento de imagen y a calidad de invitados, había medios para traer a cualquier artista y cada adelanto se presentaba ahí, era una vitrina para el mundo... demostrar que Chile estaba bien". Viña 81 incluyó a artistas de la talla de Miguel Bosé, Julio Iglesias y KC & the Sunshine Band.
Vamos a ver
"Mi sueño hasta ese minuto era hacer un programa como Vamos a ver". Con esa frase, Raúl Matas refleja lo que significó para su carrera realizar durante seis años uno de los estelares más vistos de la televisión chilena de fines de los setenta. Artistas de la talla de Sophia Loren eran el plato fuerte de cada capítulo del espacio realizado por TVN. "Había tanto dinero en esa época, el peso estaba a la par con el dólar que era muy fácil traer a gente de renombre... eso, por supuesto, nunca lo contamos en aquellos años", recuerda Matas. A la hora de hablar de anécdotas imborrables, surge la imagen de Grace Jones comiendo una planta o el día en que debido a un incendio en el restaurante Camino Real, lugar desde el que transmitían, los tramoyas del canal tuvieron que realizar en Chile Films una copia exacta del salón principal para seguir funcionando. Con cierta melancolía, Matas sentencia: "Eran años glamorosos para la televisión".
Sabor latino
1981 era el año del destape. Las vedettes y bailarinas colmaban los estudios del canal nacional para participar en el programa de Antonio Vodanovic. Eran momentos difíciles para el régimen militar, como recuerda el director Sergio Riesenberg: "Yo sabía que no íbamos a tener ningún problema con el gobierno por mostrar pechugas. El programa obedecía a la necesidad de distraer la atención, de responder a un caos económico que se estaba generando en Chile. No fue casual que el Almirante Merino y la señora Lucía Hiriart estuvieran sentados ahí, en primera fila. A mí me pidieron un programa que hiciera impacto, que postergara el alza del dólar y el caos económico de comienzos de los 80", revela el director.
Magnetoscopio musical
Un robot que caminaba entre cables y equipos de audio fue uno de los primeros efectos especiales de la pantalla chica. El autómata, que hoy parece un simple juguete de plástico, era una especie de anfitrión del programa conducido por Rodolfo Roth, pionero en la televisión chilena en la emisión de video clips, adelantándose incluso a la creación de MTV. Magnetoscopio musical marcó la pauta de los programas juveniles de los 80, influyendo en experiencias posteriores como Más música (UC-TV) y Video top (Canal 11). En 1986, Roth desapareció sin mayores explicaciones de la pantalla y se dedicó al negocio de los mariscos congelados.
Las series de los 70
Revisando el amplio abanico de series de esta década, resalta el glamour disco de Los Angeles de Charlie, tres hermosas detectives (Sabrina, Jill y Kelly) que persiguen malhechores por orden de un millonario misterioso cuyo rostro jamás es visto. Inicialmente película para la TV, alcanzó pronto el estatus de serie de culto, catapultando a la fama, entre otras, a Farrah Fawcett, Jaclyn Smith, Kate Jackson y Cheryl Ladd. Otro tanto ocurrió con los rudos detectives Dave Starsky (Paul Michael Glaser) y Ken Hutchinson (David Soul), secundados por el simpático proxeneta Huggy Bear. Claro que no fueron las únicas: El lollipop de Kojak y la cámara lenta de El Hombre Nuclear y La Mujer Biónical idiaron con la decadencia de La Isla de la Fantasía, cuyo mal gusto sólo se esforzó en superar esa oda al kitsch llamada El crucero del amor. Ello, sin mencionar al loro de Baretta, las persecuciones de Los Dukes de Hazard y las inverosímiles transformaciones de El Hombre increíble y La Mujer Maravilla
El control remoto En 1977 llegaron a Chile los primeros televisores con control remoto electrónico, es decir, sobre la base de una luz infrarroja, tecnología que aún se mantiene. Sin embargo, ya en 1966 existía un sistema mecánico de elección de canales a distancia que transmitía vibraciones de ultrasonido, mediante un comando conectado por un cable al televisor. La revolución del control remoto cambió los hábitos de los chilenos y posibilitó ver televisión desde la cama. Así, las tandas comerciales, antes tan molestas para el público al interrumpir por varios minutos la programación, eran fácilmente sorteadas. Pero el nuevo adminículo también permitió silenciar el televisor o, en un impulso más radical, cambiar de un programa a otro en cualquier momento. Era el inicio de la hoy tan arraigada rutina del zapping, un dolor de cabeza para los creativos y productores televisivos.
El chapulín y el chavo En 1980, miles de niños chilenos compraban en las calles un chipote chillón o pastillas de chiquitolina. Tanto entusiasmo -inédito para un programa infantil- obedecía al "fenómeno Roberto Gómez Bolaños" que, a partir de 1977, se instaló en Chile. Ese año, tanto el Chavo del Ocho como El Chapulín Colorado fueron transmitidos por el canal de la Universidad de Chile. Las otras estaciones de televisión no se imaginaron entonces todo el revuelo que causarían los personajes del comediante mexicano, conocido como Chespirito. Desde mayo de 1981 a mayo de 1986, el programa fue transmitido por Televisión Nacional, en distintos horarios y temporadas. En 1990 le tocó el turno a Megavisión en un ciclo que mantiene hasta el día de hoy. Muchas de las "invenciones" de Gómez Bolaños -quien decidió poner fin al programa en 1992 tras 27 años de éxito- siguen recorriendo Latinoamérica con sus espectáculos propios: Quico y su compañía; La Chilindrina con su Holiday On Ice; y los circos de El Profesor Jirafales, Ñoño y el Señor Barriga.
La Madrastra
Fue el mayor hito televisivo de 1981 y originó una sicosis colectiva por averiguar quién mató a Patricia. La seductora intriga creada por Arturo Moya Grau inspiró portadas de diarios, y La Tercera organizó un concurso para dar con la respuesta. En esa época, ni la propia Gloria Munchmeyer, que encarnaba a Estrella, supo que era la culpable del crimen ocurrido en el cuarto 345 en un hotel de Los Angeles, ya que se filmaron varios finales. El último capítulo transmitido el 17 de agosto de 1981 significó la paralización de las actividades en todas las localidades del país donde llegaba Canal 13. A su vez, La Madrastra sería el primer movimiento de la "guerra de las teleseries" que enfrentaría a TVN y UC-TV, y ahora último a Megavisión, en una costosa lucha por el rating en el horario que precede al noticiero central.
Mundo '83
En 1981, Hernán Olguín era reportero de temas científicos y jefe de Prensa deTeletrece, pero su sueño era crear un programa en horario prime exclusivamente dedicado a reportajes del área de tecnología y ciencia. Se trataba de una idea bastante audaz para la época que, no obstante, encontró acogida en el secretario general de Canal 13, Juan Agustín Vargas, y en el propio director del canal, Eleodoro Rodríguez. "Era imposible decirle que no a Hernán", recuerda la periodista Andrea Vial, una de las fundadoras de Mundo ´83. El equipo formado por Olguín trabajó durante todo el año 82 para por fin salir al aire el segundo semestre del año siguiente. "Ese día teníamos siete casetes editados hasta el último minuto por la acuciosidad de Hernán". Su entusiasmo no se apagó ni siquiera en 1986 cuando, ya gravemente enfermo de cáncer gástrico, revisaba libretos desde su habitación del Hospital Clínico de la Universidad Católica. Informe especial
Junio del 84 fue el mes en que, luego de años de discusión, TVN da el vamos al primer programa de investigación periodística. Santiago Pavlovic fue el encargado del proyecto que tímidamente debutó con un reportaje sobre la violencia intrafamiliar a las 11 de la noche. La acogida fue tal que sólo semanas después de su debut el espacio se trasladó al horario estelar. El hecho de enfrentar en forma seria y sin mayores tapujos temas políticos y sociales generó ciertos roces que significaron que cada capítulo debía pasar por una estricta revisión por parte del directorio antes de salir al aire. Según cuenta Pavlovic, "cuando desarrollamos la investigación de Michael Townley, por ejemplo, considerábamos que era un buen entrevistado. Sin embargo, el Presidente Aylwin planteó postergar el programa por las repercusiones que podía tener. Al final el reportaje salió, pero el editor periodístico del programa Patricio Caldichoury, también". Esto a la larga obligó a relegar los temas políticos nacionales a segundo plano y dar mayor importancia, por un criterio comercial, a reportajes de tipo social y humano.
Martes 13
En 1971 se juntaron por primera vez César Antonio Santis, el director Gonzalo Bertrán y el productor musical Camilo Fernández en el programa A 120 kilómetros por hora, del canal nacional. Fue el primer estelar como tal y su fórmula se repitió, con ligeras modificaciones, en diversos espacios y canales, hasta llegar a Martes 13, donde volvió a reunirse este trío de profesionales a mediados de los 80. Sin duda uno de los programas que logró liderar la audiencia durante más tiempo, supo adaptarse a los cambios del gusto del público y sobrevivir a la rotativa de animadores, tras la salida de Santis.
Televisión por cable
En 1988 debuta Intercom, el primer cableoperador del país. Un año después, eran tres las empresas que competían por el liderazgo de un negocio que fructificaba rápidamente llegando a marcar, a comienzos de los noventa, la mitad de las preferencias en las mediciones del people meter. Según Jorge Navarrete, ex director ejecutivo de TVN y ex gerente de VTR, "la llegada del cable cambió el concepto de cómo hacer televisión". De hecho, los canales comenzaron a programar mayores espacios nacionales y disminuyó la cantidad de material envasado. "El público accede a programación internacional con mucha facilidad y por eso requiere espacios de análisis noticioso, que entrega la televisión nacional", afirma Navarrete. Y agrega: "Antes teníamos una televisión bastante geométrica. Hoy, gracias a la posibilidad de acceder a canales internacionales, hemos aprendido a buscar modernas formas de expresión en pantalla".
El dedo de Lagos
Más que la dureza de una frase, el dedo de Ricardo Lagos apuntando a la cámara de UC-TV en De cara al país, el 25 de abril de 1988, mientras pronuncia la sentencia "Usted, general Pinochet, no ha sido claro con el país", marca un cambio radical en la forma de manejar la televisión como instrumento político. Por primera vez, se utiliza la cámara como parte de un discurso, en el que un movimiento escénico -el dedo que apunta- se acompaña de elementos histriónicos -la mirada fija, el semblante serio- al formular una acusación pública. Según Sergio Riesenberg, esa imagen es un hito televisivo, "porque nunca antes un político había enfrentado la cámara con completa naturalidad. Eso dejó la crema y le dio una impresionante credibilidad... nos dejó a todos verdes". Posteriormente, otros aprenderían de su ejemplo.
Franjas políticas del plebiscito El lunes 5 de septiembre de 1988, a las 22:45 horas, se dio el vamos a la publicidad política del plebiscito que se realizaría ese año. Cuatro millones de personas -repartidas en 38,7 puntos en Canal 13 y 20,8 en TVN- vieron Chile: la alegría ya viene y Chile: un país ganador, los espacios que representaban a las opciones del No y el Sí. La creatividad de la campaña opositora de inmediato contrastó con la estrategia gubernamental que sólo se dedicaba a mofarse o responder a su contrincante. Por ejemplo, el remedo del himno "la alegría ya viene" sustituyéndolo por "la violencia ya viene". El éxito del espacio no oficialista implicó la inmediata salida de Marcos López, el creador de la campaña Somos millones y la llegada de Sergio Riesenberg y Manfredo Mayol en su reemplazo.
Mea culpa Concebido como el primer reality show de la televisión chilena, Mea culpa, transmitido por TVN, es uno de los programas que han causado mayor impacto, consiguiendo más de 25 puntos de rating desde sus primeras transmisiones. De hecho, este espacio fue el único capaz de arrebatar el liderazgo de sintonía que durante años mantuvo Martes 13. Estudios de mercado demuestran que tres de cada cuatro chilenos ha visto a lo menos uno de los cincuenta capítulos que se han transmitido en diez años. Pese a este éxito popular, Carlos Pinto enfrenta cada día mayores dificultades para llevar al aire sus reportajes. Sin embargo, el tiempo le ha enseñado a utilizar la mejor táctica: mantener buenas relaciones con la gente de los recintos carcelarios. Esto ha favorecido la realización de capítulos tan criticados como el de los pasteles envenenados, cuya emisión se postergó varios meses debido a que la familia afectada no quería que saliera al aire.
La muerte en directo
No sólo fue un hecho brutal que cobró la vida de dos frentistas. También fue una odisea televisiva que mantuvo en vilo a buena parte del país por casi doce horas. La mañana del miércoles 22 de enero de 1992, tres miembros del FPMR intentaron apoderarse de la caja del Banco de Concepción, en el Campus Oriente de la UC. Interceptados por la policía, dos de ellos -el tercero fue herido- se refugiaron en la casa de la familia Riveros Calderón, ubicada en la calle Alonso de Ercilla 82, uñoa. A las 10:00 horas tomaron como rehenes al matrimonio y a sus tres hijos pequeños. Poco después comenzó una larga negociación que acabó con la familia liberada y los raptores muertos. La periodista Paula Sánchez, que en esa ocasión fue productora en terreno para TVN, recuerda que debió pagar más de $ 20 mil para que un vecino permitiera instalar una cámara que siguió muy de cerca los acontecimientos mientras el periodista Cristián Arizmendi pasaba a convertirse en el narrador de una secuencia. El terror se había convertido en un show televisivo en tiempo real. Sánchez afirma que, por primera vez, el noticiario se hacía "por intuición, se eliminaban notas y comerciales". También recuerda que, pese a que las cámaras estaban encima, nadie pudo ver lo que ocurrió. "Todos se tiraron al suelo y yo me puse a llorar, mientras gritaba 'esto es increíblé sin saber si lo escuchaban".
El "Piñeragate"
El domingo 23 de agosto de 1992 una modesta radiograbadora Kioto se transformó en la protagonista de uno de los episodios más escandalosos de la transición. En el programa A eso de... , transmitido por Megavisión, el empresario y dueño del canal privado, Ricardo Claro, activó el play de la radio y se escuchó la voz del candidato Sebastián Piñera en una supuesta confabulación con el empresario Pedro Pablo Díaz para "bajar" la candidatura de Evelyn Matthei. En vivo, la audiencia pudo observar la cara de estupor de los panelistas Tomás Jocelyn-Holt, Jorge Andrés Richards y Héctor Riesle, del propio Piñera y el animador del programa Jaime Celedón. "Fue un episodio lamentable y doloroso. Pienso que se me pasó a llevar como profesional porque en ese instante uno, como conductor, es el responsable", recuerda. Con el tiempo, quedaría al descubierto que Riesle conocía las intenciones de Claro. A la semana siguiente -y otra vez en vivo- el hecho provocó la renuncia masiva del equipo de A eso de... Celedón no volvió a ver a Riesle ni a Claro y mantiene su convicción de que se trató de una operación "deplorable", tanto en su forma como en su contenido.
El people meter
Probablemente ningún otro hito en la historia reciente de la televisión chilena sea más importante que la llegada del todopoderoso y cuestionado people meter, en 1992. Sus defensores señalan que es un "sistema científico" de medición de sintonía, mientras sus detractores alegan que es poco representativo y que entrega información deformada. Actualmente en manos de la empresa Time, el people meter está conectado a 320 hogares: en concreto se trata de un aparato que se instala al lado de cada televisor; cada miembro de la familia aprieta un botón específico -1 si es el papá; 2 el hijo mayor, etc. - al momento de encender el televisor. Esto genera una señal que, a través de una frecuencia de radio y luego por vía telefónica, llega hasta una central donde se procesan los datos.
Viva el lunes
Este programa, el de mayor rating de los últimos dos años, es el mejor ejemplo de la influencia del people meter en la televisión chilena. Gonzalo Bertrán, su director, no despeja los ojos de la pantalla donde se ven, segundo a segundo, las fluctuaciones de la audiencia. Conducido por Cecilia Bolocco, Kike Morandé y Alvaro Salas, el espacio cuenta con cuatro tandas comerciales de ocho minutos, lo que le ha permitido tener entre sus invitados a figuras como Valeria Mazza, Maradona, Enrique Iglesias y Claudia Schiffer. Pero el abuso del humor y la superficialidad de la conversación le ha granjeado críticas negativas. Bertrán responde que "es el mejor programa de la TV chilena, porque está hecho por el people meter. Es el engendro de él. Y como en este país hoy la calidad la da el people meter, es el mejor espacio".
Plan Z
Seis emisiones de treinta minutos alcanzó a tener este programa del canal Rock & Pop en su primer ciclo. Pese a no superar los dos puntos de rating, el espacio figuró en innumerables portadas de diarios -incluso apareció en medios extranjeros- luego de un fallo del Consejo Nacional de Televisión en su contra por "afectar a la dignidad de las personas y lesionar valores culturales". La razón: mostrar una muñeca mapuche que servía de nana, la aparición de un comentarista literario que hablaba de la Biblia como un "típico libro de baño" y una recreación del golpe de Estado. Rafael Gumucio, uno de los integrantes del elenco, considera que las acusaciones solamente sirvieron para que la gente sintiera curiosidad por verlo. Además, cree que el malestar que provocó en cierta gente tuvo que ver con una falta de costumbre al humor irreverente: "Nosotros trabajamos sin ningún poder fáctico de por medio, libres de presiones. Eso provoca escozor en ciertas capas porque es algo que en Chile no se había hecho antes".
Boda y muerte de Lady Di Diana de Gales fue protagonista de las dos transmisiones televisivas de mayor magnitud de la historia: su matrimonio y su funeral. En Chile, las emisiones vía satélite de "la boda del siglo", comenzaron a las 04:30 de la madrugada del 29 de julio de 1981. En Canal13, Claudio Sánchez y Cecilia Serrano recibían en directo los despachos de José María Navasal y su esposa, Marina. En TVN, a su vez, Raúl Matas, Raquel Argandoña y Pablo Aguilera comentaban con Julio López Blanco, emplazado en Londres, el acontecimiento que fue visto por 750 millones de televidentes, es decir, uno de cada cinco habitantes del mundo. Sin embargo, el 6 de septiembre de 1997 esa cifra fue superada: 2. 500 millones de espectadores siguieron sus exequias. En Chile, el espacio tuvo una sintonía promedio de 20 puntos, pero su retransmisión diez horas después tuvo 24.

RESULTADOS ULTIMA ENCUESTA

2006-11-19T16:27:00.000-03:00

Aca señores tenemos los resultados de nuestra ultima encuesta.

La pregunta era la siguiente:

¿Que era lo peor de los años 80's?

Los resultados fueron los siguientes:

-Las chaquetas y botas con flecos de las minas: 25%

- Las chasquillas de las minas: 18%

-Los cantantes de Sabados Gigantes(Sergio Lillo, Rodolfo Navech, Sebastian, Roberto Wiking Valdes, Ramon Farias, etc.) : 18%

-Los New Kids On The Blocks: 10%

-La Bebida Free: 10%

-Los pantalones amasados: 3%

-Los Jeans nevados: 2%

-La radio Galaxia: 2%

-Los programas de canal 5 (UCV-TV): 2%

- Los mocasines Pluma: 1%

Gracias a todos los q participaron y los invitamos a participar de nuestra nueva encuesta

Un abrazo a todos

Alannah Myles

2006-11-16T19:31:00.000-03:00

Creció en las ciudades de Toronto y Buckhorn en la provincia de Ontario. Allí convivía en un rancho con su familia, medio en el cual la cantante aprendió a domar caballos. Escribió su primera canción a sus ocho años, llamada "Ugly Little Cabbage in the Garden" dedicada a su hermana menor a quien crió. Llegó a vender su caballo para comprarse una guitarra, herramienta que la llevaría a tocar en varios pubs y cafés. A los 18 años comienza a realizar performances por el sur ontarino. Conoce al cantante Christopher Ward con quien forma una banda amateur cantando covers de artistas de la talla de Aretha Franklin, Bob Seger y la banda The Pretenders. Luego conoció a David Tyson donde se completó la banda.
En 1989 lanza su primer disco homónimo Alannah Myles, en donde sin duda el simple Black Velvet fue el más exitoso no sólo de ese álbum sino de su carrera musical. Este tema se convirtió en un hit internacional de la música rock a fines de los '80. Este primer trabajo discográfico llegó a ser diez veces platino en Canadá. Asimismo, Black Velvet logró posicionarse número uno en el ranking de la revista Billboard. Este sencillo vendió cinco millones de copias en todo el mundo. Alannah Myles se hizo acreedora de tres premios Juno (Canadá) y un premio Grammy. Otro corte de difusión también conocido de este disco es Love Is.
Además llegó a ser telonera de artistas como Robert Plant, Tina Turner y Simple Minds.
El 31 de octubre de 1989 en el Diamond Club de su natal Toronto, la canadiense grabó un disco en vivo promocionando su primer disco. Allí realizó un dúo con la artista soul estadounidense Mavis Stapples.

Curiosidades:
-Alannah Myles figura en la lista de artistas que lograron un solo hit en su carrera.
-Llegó a ser la artista femenina que más discos vendió en Canadá hasta la llegada en 1995 del exitoso Jagged Little Pill de su compatriota Alanis Morissette.

Discografía:
-Alannah Myles (1989)
-Rockinghorse (1992)
-A-lan-nah (1995)
-A Rival (1997)
-Alannah Myles: The Very Best Of (1999)
-Myles & More (2000)

Bruce Lee

2006-11-16T04:12:00.000-03:00

Bruce Lee (* San Francisco, California, 27 de noviembre de 1940 - † Hong Kong, 20 de julio de 1973) artista marcial, filósofo y actor chino-estadounidense. Reconocido exponente de fama mundial y renovador de las artes marciales, dedicó su vida a esta disciplina, buscando la perfección y la verdad.
Sus películas, entrevistas y principalmente su carisma e influencia, contagiaron y extendieron la pasión por las artes marciales por todo Occidente, generando una ola de seguidores a través de todo el mundo. Su huella aún perdura en el tiempo de tal manera que ha quedado en la historia como un ídolo a seguir.
Bruce Lee, cuyo nombre chino era Lee Jun Fan, fue llamado "Bruce" por una enfermera porque era el nombre de su tío, pareciéndole más oportuno que también tuviera un nombre occidental. Nació en el Jackson Street Hospital San Francisco, California el 27 de noviembre de 1940, motivo por el que Bruce Lee obtuvo la nacionalidad estadounidense, de padre chino y madre chino-alemana, en mitad de una gira de su padre por EEUU. Su padre, Lee Hoi Chuen era actor en una compañía cantonesa de teatro chino. Al finalizar la gira, regresaron a Hong Kong.
Su imagen infantil fue usada en varias películas chinas, apareció en al menos veinte films, ninguno relacionado con las artes marciales. Su primera aparición, según Bruce, fue a los dos meses de edad. A la temprana edad de seis años ya actuaba en algunos filmes chinos y en ellos ya se evidenciaba su resuelto carácter y su carisma, el más conocido se llamaba The Orphan.
Bruce era un espigado joven y además fue campeón de Cha-cha-chá en Hong Kong.
Empieza estudiando Tai Chi con su padre, y pronto dirige su atención hacia una variedad de Kung Fu ("Gung Fu" en cantonés) llamada "Wing Chun Gung Fu" que encontraba más práctica en el campo de la defensa personal, imprescindible para él, a causa de los numerosos altercados que protagonizó en su juventud.
Estudió Wing Chun con el maestro Yip Man para, años después, acabar fundando su propio estilo al que denominó Jeet Kune Do (aunque no quería ponerle un nombre, pues eso era limitarlo), que significa "El camino del puño interceptor".
Lee regresó a Estados Unidos a los 18 años, por decisión de su padre, motivado por sus altercados.
En 1961, mientras estudiaba en la Universidad de Washington en Seattle, Lee se financió su carrera de filosofía trabajando como asistente de casino en un restaurante chino, posteriormente comenzó a impartir clases de boxeo chino en su propia universidad, mientras comenzó a desarrollar su particular estilo: el Jeet Kune Do. En ese ambiente fue donde conoció a quien sería su esposa, Linda Emery. En 1963, Lee se casó y formó su primera escuela oficial de artes marciales. Tuvo muchos problemas con la comunidad china local, que se negaba a que él enseñara a occidentales dicho arte marcial, el Kung Fu.
En 1964, Bruce Lee asistió como invitado a una exhibición que daba Ed Parker, fundador de la Kempo Karate en EE.UU. y sus demostraciones y habilidades dejaron sorprendido al público asistente, entre ellos a un productor de TV llamado William Dozier, quien le solicitó que realizara algunos castings para sus proyectos televisivos.
En 1966, Bruce Lee acepta un papel ofrecido en la serie televisiva "Avispón Verde", donde interpreta el papel de un chófer japonés llamado Kato. El éxito obtenido en esta serie trasciende de las pantallas al demostrar una innovadora técnica de lucha desconocida para el público estadounidense, acostumbrado a peleas de boxeo. Sorprendentemente, la serie fue también éxito en Hong Kong. La serie terminó exitosamente en 1967. Para poder financiarse, Lee retomó sus proyectos de escuela de Kung Fu y adiestró a muchas personalidades del cine. Hizo además gran amistad con Dan Inosanto, un americano de ascendencia filipina, experto en el arte del palo corto llamado Kali.
Una productora norteamericana le ofreció un papel en la serie televisiva "Kung Fu", pero a despecho de Lee ya que participó en la idea original de la serie, al final se designó a David Carradine para el papel, siendo discriminado por su ascendencia china, no bien vista en los foros americanos.
En 1971, estando de visita en Hong Kong, el productor Raymond Chow, de la Golden Harvest ofreció a Bruce la participación en uno de sus proyectos cinematográficos. El primer film se llamó Big Boss (Gran Jefe) y fue de inmediato un tremendo éxito en Hong Kong acopiando beneficios de millones de dólares. Bruce Lee se ganó el top de la popularidad china quien le consideraba un héroe nacional.
Inmediatamente participó en su segundo film de artes marciales llamado "Puños de Furia" donde se explotó la supuesta superioridad del Kung Fu sobre el Karate japonés como una forma literal de explotar el sentimiento de inferioridad chino frente a los japoneses. El éxito logrado en este film superó toda expectativa y Bruce Lee se transformó en una consolidada estrella de films de artes marciales.
En 1972, fue actor y co-director en el film "El furor del Dragón" filmado en Roma junto a Chuck Norris. El film fue otro éxito de taquilla dentro del circuito chino, ya que Bruce no quiso que saliera de él. Esta película es considerada un clásico de las artes marciales y la lucha en el coliseo es una de las más memorables de la filmografía de Bruce Lee.
Lee trabajó en una película que quedaría inconclusa, sólo están rodados 11 minutos, llamada "Juegos de la Muerte" (Game of Death) junto a su amigo Dan Inosanto.
Sin embargo, una nueva oferta, co-participativa entre una productora americana y china para desarrollar la película "Enter the Dragon" le fue ofrecida a Lee, quien aceptó con entusiasmo como co-director y actor principal. En esta película Bruce Lee se granjeó una fama póstuma entre el público estadounidense y es considerada la obra cumbre de Lee. Fue finalizada en abril de 1973, 4 meses antes de su muerte. La película fue exhibida un par de meses después con un éxito de taquilla abrumador.
Bruce pensaba que el kung fu, en su forma tradicional, limitaba demasiado a los practicantes, imponiéndoles movimientos y posiciones que no tenían por que ser idóneas para ellos, y que coartaban su espontaneidad. Pensaba que la práctica de las artes marciales era única en cada persona, y debía adaptarse a las características y habilidades de cada uno. Además, consideraba al Karate como un arte marcial demasiado rígido y protocolar como para ser usado en una defensa callejera.
Bruce estudió la terminología del boxeo y de la esgrima occidentales extrayendo lo que consideraba adecuado de cada caso, para adaptarlo a su forma de lucha y así acercar a sus alumnos los conceptos de la lucha en términos familiares, y no con complicados nombres, formas poco naturales, y en idiomas desconocidos.
La teoría de la confrontación del JKD hace un especial hincapié en los obstáculos que residen dentro de nosotros mismos, antes que en los que supone el agresor. Se sostiene que el individuo está más limitado por sus propios prejuicios e ideas preconcebidas, que por la agresión del adversario, de este modo el Tao habla de prescindir de la propia forma, y buscar una flexibilidad (física y mental) tal que haga imposible la rotura.
Bruce Lee, además de artista marcial y actor, fue un filósofo dedicado, lo que aportó una profundidad al JKD que lo convierte en un verdadero camino de conocimiento y superación espiritual. Fue particularmente influido por el taoísmo y las ideas del filósofo indio Jiddu Krishnamurti.
Bruce anotaba en su agenda los entrenamientos de cada día para comparar resultados y mejorar continuamente. Entrenaba diariamente unas 8 horas, sus actividades eran: ejercicios de calistenia, trotar diariamente unos 16 Km o la perfección de un determinado golpe o técnica. No le bastaba con estar en forma, quería ser siempre más fuerte y elástico, a pesar de ser uno de los hombres más fuertes que haya existido, hablando en relación a su tamaño.

Bruce Lee y su perfecta patada lateral
Durante sus primeros años en EE.UU. estudió filosofía en la universidad. Enseñaba los secretos del Wing Chun aunque en ese entonces no le dejara buenas ganancias. Un día se presentó un maestro chino, diciendo que no estaba permitido enseñar a extranjeros. Bruce Lee dijo que enseñaría a quien él quisiera. Entonces el maestro dijo que si lo derrotaba podía enseñar a quien quisiera, pero si él ganaba tenía que cerrar la escuela. La pelea comenzó. Ambos utilizaban el estilo Wing chun, la pelea no le fue fácil y le tomó más tiempo de lo que esperaba. Esto lo sumergió en profundas revisiones, lo que le obligó a replantearse todos los fallos y a reformular todos los aspectos de la lucha, comenzando la auténtica revolución en las artes marciales. Al terminar esa pelea se dio cuenta de que se sentía cansado, y de otras deficiencias que tuvo durante el conflicto. Por ése motivo redireccionó su entrenamiento. Entrenó con pesas, bolsas, y diferentes aparatos; estudió y aplicó un entrenamiento científico a su rutina para alcanzar la máxima eficiencia, seguía una dieta especial basada en arroz, legumbres y pollo.
En otro momento crucial, Bruce se lesionó seriamente la espalda, un hueso sacro, levantando pesas, por lo que tuvo que someterse a un tedioso proceso de rehabilitación y a permanecer inactivo mucho tiempo, alrededor de seis meses, que dedicó a estudiar y a componer notas que se convirtieron más tarde en su libro "El Tao del Jeet Kune Do." Y aunque el médico le dijo que tal vez no volvería a caminar, la perseverancia y el espíritu que tenía Bruce Lee le demostró todo lo contrario. No sólo volvió a caminar, sino que sus patadas volvieron a ser las de antes y continuó con su arduo entrenamiento en busca de la perfección en el arte del combate.
El duro entrenamiento de Bruce le permitió realizar proezas físicas proverbiales e increíbles, entre las cuales destacan: hacer un gran número de flexiones sobre dos dedos de su mano, derribar a luchadores que le doblaban en peso con su patada lateral, desarrollar una potencia de golpe a muy corta distancia (el golpe de puño de una pulgada), realizar una ágil e impecable patada voladora, una tremenda velocidad instantánea de golpes de puño debido a la cual sus sparring simplemente no veían el golpe que les derribaba, además de una destreza en armas tales como el nunchaku, el Bo (palo largo) y la técnica filipina de dos palos.
Segun el decia:
“Yo no represento un estilo sino todos los estilos. Ustedes no saben lo que yo estoy a punto de hacer, pero yo tampoco lo sé. Mí movimiento es el resultado del vuestro y mí técnica es el resultado de vuestra técnica”.
Lee adoptó además algunos esquemas de la esgrima, la lucha grecoromana y el boxeo en su estilo, aunque él no lo quería encasillar y llamarlo estilo, sino que decía que no existía ni tenía por qué existir un estilo predefinido para pelear. Las peleas eran vivas y cambiantes y no seguían modelos prefijados.
La perfección por la técnica y el equilibrio, la solvencia y rapidez de sus fintas, su admirable desarrollo físico y dominio corporal no ha tenido rivales que lo superen desde 1960 hasta hoy.
Su imagen, carisma e influencia en las artes marciales lo han transformado en un clásico.
En vida tuvo a grandes estrellas del cine como sus seguidores y también alumnos suyos durante su estancia en EE.UU., entre ellos: James Coburn, Steve McQueen, Dan Inosanto, quienes fueron además sus grandes amigos.
El 20 de julio de 1973, Lee en la cumbre del éxito, muere en misteriosas circunstancias a los 32 años en un apartamento en Hong Kong.
Estando en el apartamento de su amiga Betti Ting Pei, alrededor de las 14 horas de ese día, Lee sintió un profundo y agobiante dolor de cabeza y Betti, según su versión que es considerada como oficial, le proporcionó un analgésico y se fue a descansar.
Lee se sumió en una profunda inconsciencia de la cual ya no volvería, entró en estado de coma. Fue llevado a un hospital, en el que ingresó ya fallecido.
Las causas que actualmente se especulan sobre la muerte de Bruce,ya que nadie sabe aun por que fue.La mas real es que pudo haber muerto de una complicación derivada de un ataque de epilepsia, efecto que sólo después de 20 años de su muerte la medicina parece haber descubierto.
Filkins,un medico de gran prestigio afirmaba que la explicación oficial en torno a la causa de la muerte es errónea, puesto que en las reacciones alérgicas a los fármacos se suelen presentar indicios como hinchazón irregular en el cuello o insuficiencia respiratoria. En vez de eso, Filkins piensa que Lee murió a causa de un síndrome de muerte súbita inesperada, derivada de la epilepsia Sudep, síndrome que no se identificó hasta 1995.
Lee tenía casi 33 años y los médicos aseguraron que su cuerpo -admirablemente formado- no representaba más de 18 años biológicos. Su muerte sorprendió al público de Hong Kong y en un principio se atribuyó como falsa la información.
Se ha sabido que antes de su muerte Lee había sufrido unos extraños desmayos anteriores de los que se había recuperado.
El funeral que siguió fue apoteósico en Hong Kong; la multitud de admiradores fue tan impresionante que el ambiente donde estaba el ataúd de Lee era sofocante. Fue enterrado en Seattle, EE.UU. Tuvo con su esposa Linda Emery (ahora conocida como Linda Lee Cadwell), dos hijos: Shannon Lee y Brandon Lee. Este último, al igual que su padre, falleció en un extraño accidente en el rodaje de la película The Crow (El Cuervo).

John Fitzgerald Kennedy

2006-11-16T04:07:00.000-03:00

John Fitzgerald Kennedy (29 de mayo 1917- 22 de noviembre 1963), fue el trigésimo quinto Presidente de los Estados Unidos.

Kennedy ha pasado a la historia como uno de los políticos más recordados tanto por ser el presidente más joven que ha tenido su país y el único católico, así como por su magnicidio en un atentado en Dallas.

También es recordado por su intención de intentar cambiar la política bélica del país y luchar por la igualdad del pueblo, actos progresistas que chocaban con las ideas conservadoras de muchos cargos apoderados dentro y fuera de la Casa Blanca. La humanidad tuvo que observar en directo como masacraban a uno de los presidentes Norteamericanos que empezaba a actuar de forma directa ante la guerra y la discriminación. La agenda política Norteamericana cambió a posiciones más derechistas aquel 22 de noviembre de 1963.

Casado en 1953 con Jacqueline Bouvier, tuvo dos hijos; John F. Kennedy, Jr. y Caroline Kennedy.

Su familia era de origen irlandés. Su padre, el doctor Joseph Kennedy, era embajador de EEUU en Gran Bretaña justo antes de la Segunda Guerra Mundial y poseía una de las mayores fortunas del país.

John F. Kennedy se convierte en un héroe de guerra. A bordo de su patrullero PT109 fue abordado accidentalmente y hundido por un patrullero japonés durante una operación nocturna. Permaneció durante 30 horas en el mar, a fin de mantener con vida a algunos compañeros gravemente heridos. De esta manera agravó una lesión de espalda que había sufrido jugando al fútbol americano, y que le causaría molestias durante toda su vida.

Su hermano mayor Joseph Patrick Jr., conocido familiarmente como "Joe" murió en combate durante la guerra, por lo que John tuvo que tomar las responsabilidades propias de la ambición política que su padre tenía para el clan familiar.

En una ocasión cuando era entonces candidato presidencial, John dijo a un periodista que lo entrevistaba: "Precisamente estoy aquí en la política porque Joe murió. Si mañana a mí me sucede algo, mi hermano Bobby (Robert F. Kennedy) pugnará por mi asiento desde el Senado. Si Bobby muere, entonces Teddy (Edward M. Kennedy) lo reemplazará". Irónicamente sus palabras se convirtieron en una inesperada profecía.

A comienzos de los años 1950 se convierte en senador por el estado de Massachusetts.

Como candidato demócrata ganó en la elección presidencial de 1960 al entonces vicepresidente, Richard Nixon y su mandato sólo duró aproximadamente mil días. Diversos autores han dudado de la limpieza de estas elecciones, especialmente en el estado de Illinois, donde la decisiva influencia de la Mafia de Chicago decidió la victoria demócrata. Durante ese tiempo tuvieron lugar varios hechos remarcables en la historia de su país: la aceleración de la carrera espacial, el aumento del papel de Estados Unidos en la Guerra de Vietnam y la invasión de Bahía de Cochinos, seguida de la crisis de los misiles de Cuba en 1962. Negociaciones entre el gobierno de Kennedy y el líder de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS), Nikita Jrushchov, consiguieron detener las hostilidades; sin embargo, durante toda la historia de la Guerra Fría jamás se estuvo tan cerca de una confrontación armada directa entre las dos potencias. También en su mandato se produjo la construcción del Muro de Berlín donde dijo una de sus frases más recordadas "Yo también soy un berlinés" (Ich bin ein Berliner) .

En cuanto a Latinoamérica, lanzó su programa Alianza para el Progreso, que pretendía lograr un mayor acercamiento entre las diferentes naciones de América, con respecto a EE.UU. y fomentar su desarrollo, para de esta manera alejarlas de la influencia soviética, encarnada en Cuba. Fruto de este plan fue el surgimiento de Ciudad Kennedy, que en la actualidad es el barrio más grande de Bogotá, con más de un millón de habitantes.

Internamente tuvo una importante labor en promover los derechos civiles de la población afroamericana, especialmente en los estados sureños, donde seguían sufriendo una fuerte segregación. Asimismo por su carisma fue una fuente de inspiración para que muchos estadounidenses se involucraran social y políticamente en la actividad pública. En materia económica promovió lo que denominó la Nueva Frontera y cuyo espíritu se podría resumir en otra de sus célebres frases: "No preguntes lo que América puede hacer por ti sino lo que tú puedes hacer por América". Era un programa económico que pretendía fomentar el crecimiento económico y rescatar a su país de la apatía y el sentimiento de la amenaza comunista de finales de los 50, de corte claramente Keynesiano donde contaba con asesores económicos como James Tobin, Walter Heller, Paul Samuelson, Robert M. Solow o John Kenneth Galbraith.

En él pretendía reducir el paro, aumentar el gasto en la educación pública, crear un seguro sanitario para todos los norteamericanos, establecer un salario mínimo, reducir impuestos... todas estas medidas y otras muchas querían crear una nueva época de prosperidad y bienestar (algunas también se podrían suscribir dentro del ámbito de impulso de los derechos civiles y la política de integración). Todas estas ideas se vieron frustradas por las dificultades con que se encontró en las cámaras legistativas y, ya de forma definitiva, con su asesinato (aunque si se aprobaron varias después de su muerte), en definitiva, su programa económico no se pudo llevar a la práctica y tampoco tuvo continuidad por lo que sus efectos no fueron muy grandes.

Su administración chocó contra varios poderes del país. El origen dudoso de parte de la fortuna familiar (su padre traficó con licor durante la prohibición) lo ligaba a miembros de la mafia de EE.UU., especialmente a Sam Giancana. Esta situación, sumada a la política recalcitrante de su hermano menor y Fiscal General (equivalente en Estados Unidos a Ministro de Justicia) Robert F. Kennedy, hizo que el presidente se encontrara en medio de un conflicto de intereses, fuera de lo normal. A esto había que sumar la confrontación abierta de los Kennedy (en especial Robert) con el principal jefe sindical del país, Jimmy Hoffa.

Es uno de los presidentes más recordados de la gran nación Norteamericana junto con Abraham Lincoln, George Washington y Franklin D. Roosevelt.

Kennedy fue asesinado en Dallas el 22 de noviembre de 1963 durante un viaje oficial.

Lee Harvey Oswald, fue detenido, acusado de haber cometido el atentado. Este último fue también asesinado por Jack Ruby antes de que pudiese acudir a juicio.

Este atentado afectó enormemente a la sociedad estadounidense. Hoy en día son pocos los estadounidenses que creen que Kennedy fue asesinado por Lee Harvey Oswald, o que lo hizo en solitario. Existen incluso numerosas hipótesis de conjura en las que se implica a organismos de inteligencia, como la CIA, el FBI, al gobierno cubano de Fidel Castro o a los exiliados cubanos.

Se han rodado varias películas sobre su muerte entre las que destacan, Acción ejecutiva, de Dalton Trumbo y JFK, caso abierto, de Oliver Stone.

MIlli Vanilli

2006-11-15T17:36:00.000-03:00

Milli Vanilli fue un dúo compuesto por Fab Morvan (14 de mayo 1966) y Rob Pilatus (8 de junio de 1965 - 2 de abril de 1998) que se formó en Alemania a mediados de los 80. En un principio, ambos integrantes eran bailarines acompañanantes de Sabrina Salerno. El productor germano Frank Farian se fijo en ellos y lanzó su carrera como grupo musical. Entre sus éxitos cabe señalar Girl you know it's true, editada en 1988.

En 1990 se les concedió el Premio Grammy al mejor nuevo artista, pero poco después, en noviembre de ese mismo año se descubrió que en realidad Fab y Rob no eran los que cantaban: la implicación de ambos con su música se limitó a aparecer en la cubierta de los discos. Su música estaba pregrabada en sus vídeos musicales y sus conciertos. El escándalo provocado por este descubrimiento hizo caer en el olvido al grupo.

En 1991, el mismo productor quiso relanzar a los cantantes que realmente cantaban las canciones del grupo, con el nombre de The Real Mini Vanilli, pero el intento (plasmado en el disco Moment of Truth) cayó en el fracaso. En 1993 la pareja original volvió a probar suerte, esta vez sí interpretando sus canciones, esta vez como Rob & Fab, pero el éxito no les acompañó en esta ocasión. A finales de los 90, Rob Pilatus moría por sobredosis en Frankfurt.

Lenny Kravitz

2006-11-14T18:58:00.000-03:00

Lenny Kravitz es un músico integral. Un maestro lleno de influencias que van del soul al reggae pasando por el hard rock, la psicodelia o el folk. Una estrella con mayúsculas que detesta la fama pero que se ha ganado a pulso un lugar entre los cantantes más admirados del panorama mundial.
Aunque nació en Nueva York, Lenny Kravitz se crió y encontró su vocación en Los Ángeles. Según cuentan, de niño no era raro verle rodeado de ollas y palos experimentando con el sonido. Hijo de actriz y productor de televisión, el pequeño Lenny vio pasar por su casa a artistas como Duke Ellington, Ella Fitzgerald o Miles Davis.
Con este ambiente no es de extrañar que, ya de joven, Lenny apostara por ser cantante. Como en LA la cosa no funcionó decidió largarse con la música a Nueva York. Allí se enamoró de la actriz Lisa Bonet (la Denise del Show de Bill Cosby), se casaron y tuvieron una hija, Zoe. En lo musical buscó inspiración en clásicos como Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Bob Marley o los Beatles y su estilo se volvió más fresco, alegre y auténtico.
Fue entonces cuando Virgin decidió apostar por él. Let Love Rule fue su álbum debut y uno de los éxitos de 1989. Además, por esta época, empezó a escribir para otros artistas. Y no le fue mal. El single Justify My Love que compuso para Madonna fue uno de los más vendidos del año.
Pero los tiempos felices acabaron. Su relación con Lisa empeoró y a principios de los ’90 se acabaron divorciando. El dolor por esta separación sobrevuela su segundo álbum, Mama Said, que cuenta con joyas como Always on the Run (en colaboración con Slash de Guns N’ Roses) o la exitosa It Ain't Over 'Til It's Over.
Sin embargo lo mejor todavía estaba por llegar. Su tercer disco, Are You Gonna Go My Way, en seguida fue considerado una obra maestra y acalló las voces de los que le tacharon a Lenny de estrella fugaz. Circus, su siguiente trabajo, fue acogido con entusiasmo pero no alcanzó el éxito de su predecesor. Decidido a reciclarse, Kravitz enfocó 5, su quinto álbum, hacia otras influencias. Así, el single Fly Away escaló en las listas y le valió un Grammy 1999 a la mejor voz masculina de rock.
Aprovechando este tirón, Virgin decidió sacar entonces el primer Grandes Éxitos de Kravitz. Quince canciones con lo mejor de su carrera. Una carrera todavía joven pero en la que este neoyorquino indomable ya ha demostrado estar entre los músicos más grandes de nuestro tiempo.

Curiosidades:
-Lenny tiene un miedo tremendo a los aviones y siempre que puede opta por viajar en otro medio
-Un buen día se cortó los dreadlocks (rastas) porque quería dejar el pasado atrás y empezar de cero
-Kravitz también ha trabajado como productor y en este sentido colaboró con Madonna en "Justify My Love"
-La canción Little Girl's Eyes del álbum "5", fue escrita para su hija como regalo para su cumpleaños
-Lenny Kravitz tiene casas en Miami, Nueva Orleans, Nueva York, Los Ángeles y Bahamas

Frases que ha dicho:
-Mientras hacía “5” me sentí como un niño con una caja de lápices de colores... Y usé todos los colores
-La vida es un constante aprendizaje
-El rol de estrella de rock es una mierda con la que tengo que lidiar. Lo entiendo pero yo soy sólo músico
-Las manos de Jimi Hendrix estaban conectadas a su alma. Él te puede hacer sentir el fuego y la tristeza
-Si se me tuviera que asociar a una canción probablemente la mejor sería "Let Love Rule". Es simple, directa y habla por sí sola

Earth Wind & Fire

2006-11-14T00:59:00.000-03:00

Earth, Wind & Fire fue una de las bandas funk con el sonido más acabado, respetada por la crítica y de las más exitosas en lo comercial. Lo que hizo única a esta banda fue, por una parte la concepción que tuvo el baterista, compositor, cantante y líder de la banda, Maurice White. Earth, Wind and Fire era una fusión de energías en la que confluían su esencia funk con elementos de otros ritmos como el jazz, soul, gospel, pop, blues, psicodelia, folk, música africana y del rock and roll.
Sumada a la riqueza musical estaba la voz de Philip Bailey, detrás de la cual la banda armonizaba como el mejor de los grupos Motown, con la intensidad de James Brown o la improvisación de un grupo de jazz fusión. Además, sus presentaciones en el escenario eran elaboradas y trepidantes. El motor de la versatilidad de Earth, Wind and Fire era el mismo eclecticismo que unía a la banda. Era una diversidad impulsada por una creencia espiritual amplia que se manifestaba en un conjunto de pensamientos positivos.
El elemento que servía de unión a todos estos elementos era la composición de Maurice White. Sólido, impredecible con los arreglos, inteligente con los ganchos y estructurado en la unión de los instrumentos, hizo de Earth, Wind and Fire la banda más impecable del funk. Si bien es cierto no todo lo que grabaron fue un éxito, lo correcto es que ellos fueron los primeros en amarrar todos los ritmos que les habían precedido y los convirtieron en un espectáculo impresionante.
Maurice White empezó en la música a inicios de los sesenta como baterista de sesión en Chess Records, tocando para artistas como Fontella Bass, Billy Stewart, y Etta James. Más tarde, en 1967, entró como el baterista del grupo de jazz “Ramsey Lewis Trio” donde apredió a tocar la kalimba, un piano africano, que luego usaría a lo largo de toda su carrera.
En 1969, dejó el grupo de Lewis y se unió al tecladista Don Whitehead y al cantante Wade Flemons para juntos dedicarse a componer para otros artistas. Sin embargo, rápidamente se convirtieron en un grupo llamado “Salty Peppers” y firmaron un contrato con Capitol Records que les permitió colocar un sencillo llamado “La La Time” y que se convirtió en un éxito en la región de Chicago.
Cuando la siguiente canción salió a la venta, White decidió mudarse a Los Ángeles, se llevó a casi todo el grupo con él y lo rebautizó como Earth, Wind and Fire, inspirado en los tres elementos que están en su carta astral.
En 1970 cuando White logró convencer a su hermano, el bajista Verdine White, de reunirse con el grupo radicado en Los Ángeles, sus integrantes incluían a la cantante Sherry Scott, al guitarrista Michael Beal, al saxofonista Chet Washington, Alex Thomas en los tambores y en la percusión a Yackov Ben Israel, además de los originales Whitehead y Flemons.
Esta formación firmó un acuerdo con Warner Brothers y a finales de 1970 lanzó su primer álbum que llevaba el nombre de la agrupación. La recepción de la crítica fue cauta y positiva, sobre todo por que fue tomada con la guardia baja por lo ambicioso del proyecto. La misma recepción tuvo el segundo LP, “The Need of Love”. Sin embargo, en lo comercial los discos no despegaron a pesar de la cantidad de gente que los empezaba a seguir, mayormente en las universidades.
Con al crítica a su favor, pero con las ventas en terreno áspero White decidió desmantelar la primera versión de Earth, Wind and Fire en 1972. Junto a su hermano Verdine rearmó el grupo esta vez con la vocalista Jessica Cleaves, Ronnie Laws en el sax, Roland Bautista en la guitarra, en las teclas Larry Dunn y en la percusión Ralph Johnston. Pero la adición más importante fue la del cantante Philip Bailey.
Al final del 72 Laws y Bautista se habían ido en su lugar entraron Andrew Woolfolk y los dos guitarristas Al McKay y Johnny Graham. Ahora Earth, Wind and Fire estaba completo y listo para empezar su carrera en el estrellato musical.
En 1973 pusieron a la venta “Head to the Sky”, que si bien no fue un éxito en ventas, ayudó a agrandar la base de seguidores del grupo. El siguiente disco “Open Our Eyes” de 1974 fue su primer éxito. Resultado de la colaboración con el productor Charles Stepney, el disco tenía un estilo musical más claro y comercial.
"Mighty Mighty", extraído de ese LP se convirtió en el primer Top Ten en las listas R&B que lograría Earth Wind and Fire. Aunque las emisoras pop la hicieron a un lado por las reivindicaciones para la raza negra que contenía el tema, la influencia musical de Maurice White se hizo sentir en la radio y el álbum se convirtió en disco de oro.
En 1975 todo estaba listo para que Earth, Wind and Fire barriera con todo. El grupo se encargó de componer la banda de sonido de la película “That’s the Way of the World”. Previendo que la película no sería un éxito de taquilla, Maurice White decidió lanzar el disco antes de la aparición de la película. Aunque el filme fue un fracaso, el disco despegó impulsado por la balada “Shining Star” que fue número uno en las listas R&B y pop, además de llevarse el Grammy por la mejor interpretación R&B.
El álbum también coronó ambas listas y vendió hasta convertirse en doble platino. El dinero que recibieron se transformó en la extravagancia que dominaba todos sus espectáculos. Además se incluyó una sección de vientos más pesada con la agrupación “The Phoenix Horns”. El frenesí de sus presentaciones en vivo se registró en el doble LP “Gratitude” que llegó sin inconvenientes al número uno de los discos más vendidos.

Disacografia:
-Earth, Wind & Fire
-The Need Of Love
-Last Days And Time
-Head To The Sky
-Open Our Eyes
-That's The Way Of The World
-Gratitude
-Spirit
-All'n All
-The Best Of - Vol. 1
-I Am
-Faces
-Raise!
-Powerlight
-Electric Universe
-Touch The World
-The Best Of - Vol. 2
-Heritage
-The Eternal Dance
-Millennium
-Avatar
-In The Name Of Love
-That's The Way of The World: Alive in '75
-Live In Rio
-The Promise
-Illumination

TRANSMICION

2006-11-12T19:53:00.000-03:00

Les queremos contar, que el programa "De Culto" se sigue transmitiendo, y que por un problema técnico, ya no es a traves de www.noesradio.cl, sino que se hace a traves de www.noesradio.tk.
Asi que seguiremos, para todos nuestros oyentes....

Ahora, pueden revisar nuestros programas en www.decultoradio.podomatic.con
Un abrazo a todos.

Disculpas ( Se cayo el servidor)

2006-11-08T01:59:00.000-03:00

Queremos pedir disculpas por no haber podido transmititr el programa de este martes 7 de noviembre, pero por problemas ajenos a nuestras manos, no salio al aire, pero igual lo hicimos.....así que si quieres escucharlo entra a www.decultoradio.podomatic.com , o has click en el link que esta en este blog
Un abrazo a todos, y gracias por la comprensión

Billy Joel

2006-11-08T01:52:00.000-03:00

William Martín (Billy) Joel (nacido el 9 de mayo de 1949 en Hicksville, Long Island, Nueva York, Estados Unidos) es un cantante, compositor y pianista estadounidense.
Billy Joel ha grabado muchos éxitos populares desde 1973 (empezando con el sencillo "Piano Man") hasta su retiro para grabar música pop en 1993. El es uno de los pocos artistas de rock y pop que tienen éxitos en el "Top Ten" de los '70s, '80s, y '90s. Un ganador del Premio Grammy en seis ocasiones, ha vendido más de 100 millones de disco en el mundo y es el sexto artista con más ventas en Estados Unidos, de acuerdo con la RIAA. Ha realizado giras artísticas ocasionalmente (algunas veces con Elton John) además de escribir y grabar música clásica. Está reconocido como uno de los más finos pianistas de rock and roll en la historia de la música.
Billy Joel primero vivía en el Sur del Bronx, en la Ciudad de Nueva York, pero su familia pronto se mudo a Long Island, específicamente, a Levittown sección de Hicksville. Su padre, Howard Joel, fue un sobreviviente judío del Holocausto en Alemania, cuya familia tenía la cuarta compañía de ordenes de correo en Alemania antes de ser confiscada por los Nazis. Su madre, Rosalind Nyman, nacida en Inglaterra, de una familia Judía Agnóstica. Sus padres posteriormente se divorciaron, y su padre regreso a la Europa del Este. Su medio hermano Alexander Joel es un aclamado pianista clasico y conductor en Europa.
Desde una temprana edad, Billy Joel tuvo un intenso interés en la música, especialmente la música clasica. Billy Joel comenzó sus clases de piano a los 4 años de edad, y su interés en la música en vez de los deportes fue la causa de muchas discusiones y riñas en sus años mozos. Como adolescente, Billy Joel tomó clases de boxeo que le permitieran defenderse. Peleó de forma existosa en el circuito amateur de "Golden Gloves" durante un corto tiempo, pero abandono el deporte tras una pelea de box donde se rompió la nariz.
Billy Joel estudio en la Secundaria Hicksville y se graduó en 1967. Sin embargo, no tenía los suficientes créditos en una materia de Ingles para poder graduarse; se quedó dormido el día de examen importante debido a su estilo de vida noctura. Teniendo que atender a cursos de verano para completar ese requerimiento, opto por no continuar. Dejo la escuela sin un diploma para iniciar su carrera de músico y aunque era aficionado al boxeo, al final se "decidió" por el piano. Tocó con diversos grupos que no le proporcionaron mucho éxito, hasta que en 1971 grabó en Nueva York un álbum que despertó el interés general, pero no fue hasta 1973 que alcanzó el éxito con su álbum "piano man".
En 1992, el crédito que debía en la materia de Ingles fue dispensado por la junta de la escuela Hicksville y recibió su diploma en una ceremonia de graduación tras 25 años después que dejo la escuela.
Se ha casado 2 veces y tiene una hija llamada Alexa Ray Joel de 12 años

Álbumes
Cold Spring Harbor (1971)
Piano Man (1973)
Streetlife Serenade (1974)
Turnstiles (1976)
The Stranger (1977)
52nd Street (1978)
Glass Houses (1980)
Songs in the Attic (En vivo) (1981)
The Nylon Curtain (1982)
An Innocent Man (1983)
Greatest Hits, Vols. 1 & 2 (1985)
The Bridge (1986)
КОНЦЕРТ (En vivo) (1987)
Storm Front (1989)
River of Dreams (1993)
Greatest Hits, Vol. 3 (1997)
The Complete Hits Collection: 1973–1997 (1997) (recopilación)
2000 Years: The Millennium Concert (En vivo) (2000)
Fantasies & Delusions (2001)
Ultimate Collection (2001)
The Essential Billy Joel (2001)
Movin' Out
Piano Man: The Very Best Of (2004) (recopilación)
My Lives (2005) (recopilación)
12 Gardens Live (2006) (En vivo)

John Lennon

2006-11-07T04:39:00.000-03:00

John Winston Lennon nació el 9 de Octubre de 1940 en Liverpool durante un bombardeo de castigo de la aviación nazi.Su padre era un marinero mercante llamado Alfred Freddy Lennon, cuando nació Lennon su padre se encontraba en alta mar y muy rara vez estaba en casa.John paso sus años de infancia con su madre Julia Stanley la cual llevaba un ritmo de vida muy alocada, pues le gustaba mucho la bebida y frecuentaba los pubs donde había soldados. De hecho tuvo una hija fuera del matrimonio la que dio en adopción.
Después de tener una fuerte discusión los padres de John, estos le plantearon al pequeño que eligiese irse con uno de los dos. Y ante tal dilema decidió irse con su madre.Pero si el joven John esperaba quedarse mucho tiempo con su madre se equivocó, ya que la irregularidad de la vida domestica de su madre fue determinante para entregarlo a su tía Mimi para que lo criase.
La tía Mimi y el tío George vivían en los suburbios rodeados de médicos y otros profesionales. Su tío George era propietario de viviendas en alquiler y de una vaquería, y tenían un jardinero que acudía dos veces a la semana.Pero los tíos del pequeño John no eran ricos, pues tenían que albergar a estudiantes de medicina para aumentar los ingresos de la familia.
Cuando John tenía diecisiete años tuvo la trágica noticia de que su madre había muerto atropellada por un coche lo que seria para el pequeño una gran perdida, de la cual no se sobrepuso nunca. ( De hecho la hermosa balada que escribió diez años después "Julia" o en su primer álbum en solitario "Mother" ).
Estando en la escuela de secundaria Quarry Bank escucho un disco de Elvis y esta claro que el no iba a ser menos, por lo que formo con su pandilla el conjunto llamado Quarry Men en el que estaba su amigo Peter.Y estando actuando en una reunión social en los jardines de la iglesia St. Peter un amigo común de John y Paul los presento, esto seria el día 6 de Junio de 1957.
Después de escuchar a John tocar, Paul quedo impresionado y como dijo más adelante Paul ( Pensé: caramba es bueno ), pero el escucharse tocar fue reciproco, pues John al comprobar como tocaba Paul que era mucho mejor que los que tenia en el grupo le planteo un gran dilema a John ( si le cojo y yo hasta entonces era el principal del grupo ¿ Que ocurriría ? ) pero su decisión por fortalecer el grupo pudo más y al final Paul entro a formar parte de los Quarry Men.
Paul que conocía a George de ir juntos en el autobús al instituto se decide presentarlo al resto del grupo, pero hasta el 13 de Marzo de 1958 no formaría parte del mismo.John conocía a Cynthia Powell de la escuela de arte y la cual estaba colada por John empezaron a salir juntos y años más tarde se casarían.Después de tener una etapa esplendorosa en actuaciones llego la decadencia y mientras Stu
y John barajaban diferentes nombres para el grupo, a Stu se le ocurrió poner Beetles ( escarabajos ) pero John rápidamente lo transformo en Beatles ( los rítmicos ), este nombre era más corto pegadizo que los anteriores. Después de muchas actuaciones en Hamburgo conocerían a Astrid Kircherr la cual fue la creadora del peinado de los Beatles. Se sucedieron las actuaciones y al ser un poco más famosos el propietario de una importante tienda de discos Brian Epstein concertó una entrevista con los Beatles en su tienda para proponerles que seria su representante. Esto sucedía el 3 de Diciembre de 1961.
Después de grabar unos sencillos en Hamburgo, Brian consiguió unas sesiones de grabación en EMI estando al frente el productor George Martin que al oírles tocar sabia que podía sacar algo bueno de ese grupo, pero lo que no le gustaba era la forma de tocar la batería de Pete Best por lo que sugirió que tendrían que cambiar de batería y así fue. El 18 de Agosto de 1962 Ringo Starr seria el nuevo integrante de The Beatles.
Ya con los cuatro integrantes definitivos grabarían su primer sencillo ( Love me do y PSI Love you ) con bastante éxito. Pero el 26 de Noviembre grabarían su segundo sencillo ( Please, Please Me ) su primer gran éxito mundial y el comienzo de un hito THE BEATLES.
John tenia la costumbre de ir provocando alguna gracia o alguna indirecta, de hecho cuando actuaron en Royal Command Performace ante la Reina madre el día 4 de Diciembre al termino de una canción dijo: ( Los que ocupen los los asientos más baratos, tengan la bondad de aplaudir. El resto puede hacer sonar sus joyas. )En Marzo del 65 John en una entrevista que concedió, uno de los periodistas Maureen Cleave le pregunto sobre su opinión religiosa y dijo: El cristianismo desaparecerá. Se desvanecerá o se empequeñecerá. Nosotros, ahora, somos más populares que Jesucristo.
No sé qué desaparecerá antes, si el rock´n´roll o el cristianismo. Por esta frase en EE.UU. se organizó un escándalo monumental.
El 9 de Noviembre de 1966 John conoce a Yoko Ono en la Indica Gallery de Londres y coincidirían en más sitios. John encontró en Yoko el soporte que necesitaba en sus altibajos de carácter que tenia, después de la muerte de Brian que era el que mejor controlaba el carácter de John, este se derrumbó.Meses más tarde la que fuera mujer de John inicia los tramites de divorcio después de seis años exactos de matrimonio. Y en Abril del 69 John se casa con Yoko en Gibraltar y en 1975 nacería su segundo hijo, llamado Sean. El primer hijo lo tuvo con su anterior esposa
el cual se llama Julian Lennon. John y y su inseparable mujer Yoko siempre se manifestaron a favor de la Paz y en contra de la guerra como la que ocurrió en Vietnam componiendo una de las baladas más hermosas de todos los tiempos "Imagine" y canto a la Paz.Pasados ya unos cuantos años, en Octubre de 1980 John graba el Long Play " Double Fantasy " con el que tendría mucho éxito y pronto seria disco de oro. En ese mismo año el día 8 de Diciembre a las 11 de la noche en el vestíbulo del edificio Dakota, el joven llamado Mark Chapman y fanático de John le pide un autógrafo, pero al negárselo este, le dispara siete balazos provocándole la muerte inmediatamente. Esa madrugada del día 9 se difundió la noticia a nivel mundial que John Lennon había muerto.

Se Busca: SAMANTHA FOX

2006-11-04T19:26:00.000-03:00

Aquella época de joven pre púber. Aquellos dulces 12 años, aquella mujer que a toda una generación nos provocó esas sensaciones que sólo te produce tu primer fetiche sexual.¿Cómo olvidarte Samantha? ¿Cómo olvidar aquellas canciones cachondas que hasta el día de hoy quedan en la memoria colectiva? ¿Cómo olvidar aquellas fotos tuyas con tu generosa humanidad que aun quedan en los talleres mecánicos del mundo?Oh, Samantha, ¿Dónde estarás? Qué será de tu vida? ¿Seguirás tan bien dotada?¿Estarás por ahí con Sabrina, nuestro otro fetiche generacional?Oh, Samantha, toda una generación de hombres te recuerda, con cariño, con lujuria, cosita rica, mijita, guachita, mi amor, si no te mato te dejo tonta, te daría como…(¡Ooops, Perdón!)Por favor si alguien sabe de ella, por favor avísennos. La necesitamos.

Este Viernes en De Culto

2006-11-02T19:22:00.000-03:00

Para este Viernes 3 de noviembre, tenemos un programa espectacular....porque revisaremos el rock latino de los años 80's....
Así que preparate a escuchar la musica de G.I.T, Nadie, Virus, Soda Stereo, Los Abuelos de la Nada, Los Enanitos Verdes, Charly Garcia, Los Prisioneros, Aparato Raro, Valija Diplomatica, Viena, Los Toreros Muertos, Sumo, Miguel Mateos, Aterrizaje Forzoso....y mucho más.
Este viernes a las 17:00 hrs. (Hora de Chile)
De Culto
A través de www.noesradio.cl

www.fotolog.com/decultoradio
www.fotolog.com/noesradio

SUMO

2006-11-02T19:15:00.000-03:00

Alejandro Sokol: batería
Diego Arnedo: bajo
Germán Daffunchio: guitarra
Luca Prodan: voz
Roberto Pettinato: saxo
Sumo nació y murió con Luca Prodan. Luca nació en Roma, hijo de un italiano y una escocesa. La familia había padecido los campos de concentración de la Segunda Guerra, pero con el tiempo logró reponerse y hacer cierta fortuna. Luca estudió en Escocia y vivió toda la década de los '70 en Londres. Allí tocaba la guitarra en diferentes pubs de los barrios bajos. En 1981 aceptó la invitación de un amigo que vivía en un campo de Córdoba y se vino para las sierras de Mina Clavero, sin hablar ni una sola palabra de español y planeando comprar vacas con todos sus ahorros. Al poco tiempo se aburrió de la tranquilidad y se mudó a Buenos Aires. Concretamente a la localidad de Hurlingham.
Con un grupo de amigos tomaron la iniciativa y gastaron toda la plata en equipos: Germán Daffunchio tocaría la guitarra; Alejandro Sokol el bajo y Stephanie Nuttal, una amiga inglesa, la batería. Sumo se formó en 1981 y debutó en febrero de 1982 en el Pub Caroline's de El Palomar.
Su primera actuación importante se llevó a cabo en el Festival Rock del Sol a la Luna, en las instalaciones del Club Estudiantes de Buenos Aires en Caseros, el 20 de marzo de 1982. Del mismo participaron Riff, Juan Carlos Baglietto, Orions y Los Violadores. Asistieron unas 20.000 personas. Cuando estalló la Guerra de Malvinas, Stephanie volvió a Gran Bretaña y Sokol pasó a tocar la batería. Diego Arnedo, un vecino, se incorporó en el bajo. Roberto Pettinato, director de la revista "El Expreso Imaginario" fue invitado también para algunos shows, y quedó.
Tras un ciclo en el Bar Einstein y luego de grandes actuaciones en el Stud Free Pub y en Zero la banda logró, junto a Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, ponerse a la cabeza del incipiente movimiento underground de nuestro país. Pero Luca regresó a Inglaterra, y muchos creyeron que ya no volvería. Sin embargo, el 17 de agosto de 1984 volvieron a tocar en el Auditorio Buenos Aires. Interpretaron viejos hits de la banda, algunos temas nuevos y una versión reggae de "Cambalache". La formación incluía a Luca, Arnedo y Petinatto con los nuevos Alberto Superman Troglio (batería) y Ricardo Mollo (guitarra).
El mismo Luca Prodan hace un resumen de la carrera underground de la banda: «En un principio, eran casi todos temas míos, cuando yo tocaba la guitarra. Después la cosa fue cambiando, entró una onda mucho más reggae, nos desdoblamos en la Hurlingham Reggae Band (que era únicamente reggae) y Sumo, por su parte, se puso más pesado. Y Fargo -que hoy es el guitarrista de los Redonditos de Ricota- era el violero de la Hurlingham. Después se unieron los dos grupos otra vez, Fargo se fue con Patricio Rey, yo me fui a Europa, y cuando volví con Sumo comenzamos a hacer temas de la Hurlingham... Ahora Sumo es medio reggae y medio pesado. En fin: medio raro» (G.Guerrero, pág 115).
El debut discográfico se produjo en 1985 con Divididos por la felicidad, presentado en el Teatro Astros en mayo, junto a temas viejos, que habían sido registrados en un cassette independiente (del cual se realizaron solamente 300 copias), titulado "Corpiños en la madrugada", y que sería reeditado comercialmente en 1992. El hit fue "La rubia tarada" (cuyo título original era "Una noche en New York City"). Vendieron unas 15.000 copias.
La segunda placa fue "Llegando los monos" (1986), presentada en Capital con un Obras en agosto. En esa oportunidad, se grabó lo que sería el video "Sumo en Obras", de 55 minutos de duración que contiene, entre otros, los temas "Gaitas", "Heroína", "Divididos por la felicidad", "F'you" y "Mejor no hablar (de ciertas cosas)". Cerraron el año con un show en Cemento.
Casi un año después regresaron a los estudios, para registrar su tercer álbum, "After chabón", que también fuera presentado en en el estadio Obras. Sobresalen las canciones "Mañana en el abasto" y "Lo quiero ya". Este disco lo presentaron el 10 de octubre en el Estadio de Obras ante 4.000 personas, pero la salud de Luca ya no estaba bien.
La última actuación del grupo con Luca se realizó el 20 de diciembre de 1987 en la cancha del Club Atlético Los Andes, junto a Los Violadores. El 22 de diciembre de 1987 Luca Prodan fue encontrado muerto, víctima de un paro cardíaco y una cirrosis hepática. La despedida emocionada de Sumo fue en el Chateau Rock de 1988. Allí, Pettinatto y Mollo se alternaron frente al micrófono para rendirle homenaje al alma mater de la banda de la única forma posible: tocando rocanrol.
En 1988 comenzaron a circular unos cassettes semipiratas, con temas y ensayos que habían sido grabados directamente en el portaestudio de Luca. Al año siguiente, el sello CBS lanzó "Fiebre", con las canciones que hubiesen integrado el siguiente disco de Sumo.
Dos recopilaciones oficiales salieron a la calle en 1991: "Collection" y "Grandes Exitos". Desde el mismo día de su entierro, cientos de fans visitan su sepultura en el cementerio de Avellaneda. Los homenajes van desde la clásica pintada "Luca Not Dead" hasta enterrar por el pico una botella de ginebra. La mayor convocatoria se da en el aniversario de su muerte.
En mayo de 1995 se lanzó "Fuck You", un disco doble homenaje a Sumo, en el cual participaron Lethal, Los Pericos, Los Auténticos Decadentes, A.N.I.M.A.L., Pedro Aznar, Diego Torres y Attaque 77, entre otros.
Dos grupos derivaron de Sumo: Divididos (con Arnedo y Mollo) y Las Pelotas (Daffunchio / Sokol)

Discografía
Divididos por la felicidad, 1985
Llegando los monos, 1986
After chabón, 1987
Fiebre, 1989
Greatest Hits, 1991
The Collection, 1991
Corpiños en la madrugada (reedición), 1992
Obras Cumbres, 2000

Charly Garcia

2006-11-02T18:54:00.000-03:00

Carlos Alberto Garcia Moreno más conocido como Charly García es un músico argentino nacido el 23 de octubre de 1951. Desde 1995, luego de una pelea con su madre Carmen Moreno, cambió su nombre legal de Carlos Alberto García Moreno a Carlos Alberto García Lange (siendo Lange el apellido de soltera de su abuela paterna).
Fue el primer hijo de una rica familia porteña. Pero durante los años cincuenta, siendo presidente de la república el general Juan Domingo Perón hubo grandes cambios sociales y la familia García Moreno tuvo que hacer algunos ajustes: el padre de Carlos comenzó a trabajar como profesor, enseñando física y matemáticas y Carmen Moreno, su madre, empezó a trabajar como productora de shows musicales para radio, especialmente de música folclórica.
En una ocasión sus padres tomaron unas vacaciones en avión a Europa —muy probablemente debido a la situación política familiar, ya que el padre se negó a poner el crespón negro de luto en su fábrica, en señal de duelo por la muerte de Eva Perón- y dejaron al pequeño Carlos (de tres años de edad) solo, aunque no se sabe con precisión a cargo de quién (según una versión, con las empleadas de la casa, según otra, con una tía muy mayor y represora). Durante esos días Carlos tuvo un ataque nervioso y amaneció con una mitad de su rostro extremadamente blanco. Se le había producido un problema de pigmentación, llamado vitíligo. El efecto de esa enfermedad se puede ver hoy mismo en Charly García: un particular bigote bicolor.
Al volver del viaje, su madre le regaló un pianito de juguete. Inmediatamente Carlos comenzó a mostrar su talento musical. Su madre lo sorprendió componiendo melodías coherentes y bellas, y fue entonces que lo llevó a la casa de un vecino que tenía un piano. El niño dudó un momento, pero al descubrir que el instrumento grande funcionaba igual que su juguete, empezó a tocar e improvisar. Al ver su talento, al año siguiente (con 3 años) su madre lo anotó en una escuela de enseñanza de música de su barrio, el conservatorio Thibaud Piazzini, de donde a la edad de doce años egresó con el título de profesor de música.
Cuando tenía 5 años, un conocido guitarrista folclórico llamado Eduardo Falú estaba en su hogar preparando un show íntimo en una fiesta familiar. Charly le dijo a su madre: "Me parece que el maestro tiene esa cuerda desafinada". Después de algunas pruebas caseras, la conclusión fue clara: el chico tenía oído absoluto.
Charly García es uno de los más reconocidos tecladistas, compositores y productores latinoamericanos de rock, y ha formado parte de bandas como Sui Generis (1972-1975), Porsuigieco (1976), La Máquina de Hacer Pájaros (1977-1978), y luego llegando a la cumbre de su talento con Serú Girán (1978-1982), una superbanda que reunía los mejores músicos de Argentina: el guitarrista/multi-instrumentista/cantante David Lebón, un joven bajista/tecladista/cantante (Pedro Aznar) que en esa época contaba con 19 años, y Oscar Moro, un histórico baterista que formó parte de Los Gatos (la primera banda de rock en español) dejando un legado de discos y canciones que quedaron para siempre en la historia de la música argentina.
Charly García, asistió al Instituto Social Militar Dr. Dámaso Centeno, un colegio del barrio Caballito, donde no terminó sus estudios secundarios. Desde los primero años solia escapar de las clases, para ir al Salón de Actos a tocar el piano.
Desde 1982 y hasta la actualidad se extiende su etapa de solista, inigualable tanto en calidad como en cantidad de producciones. Si bien tanto la producción de los espectáculos como la composición y grabación de los discos lo tienen como figura principal, Charly ha incorporado en sus bandas solistas a músicos argentinos de primer nivel como Cachorro López (desde 1982 hasta 1984), Fabiana Cantilo (1982-1986), Fito Páez (1983-84), los G.I.T. - Pablo Guyot, Willy Iturri y Alfredo Toth - (1984-87), Richard Coleman (1986), Fernando Samalea (1987-1995), Carlos García López (1987-1993), Hilda Lizarazu (1987-1993), Fabián Vön Quintiero (1987-1995), Mario Serra (1996-2002), María Gabriela Epumer (1994-2003). Actualmente suele presentarse con una sólida banda formada por tres músicos chilenos, Kiushe Hayashida en guitarra y coros, Tonio Silva Peña en batería y Carlos González en bajo, él mismo en teclados, guitarra y voz, y un trío de cuerdas formado por Alejandro Terán (viola), Javier Weintraub (violín) y Julián Gándara (cello).
Durante 2004 Charly García da una gira por todo el país, titulada La Venganza, cuyo show de más de tres horas incluye temas de todas las épocas, siendo visto por un público de lo más heterogéneo en cuanto a edades. Su gira por el sur del país deja resultados históricos, como en Ushuaia (Tierra del Fuego), la ciudad más austral del mundo, cuando con una temperatura de -2 ºC uno de cada cuatro habitantes asistió a su show.
El año 2006 lo encuentra presentando "Kill Gil", su última producción discográfica.

Discografía:

Sui Generis
1972 - Vida
1973 - Confesiones de Invierno
1974 - Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones (Originalmente se iba a llamar Instituciones a secas, pero la censura obligó al grupo a cambiar el título)
1975 - Adiós Sui Géneris, Parte I & Parte II (vivo)
1993 - Adiós Sui Géneris Volumen III (vivo en 1975)
2000 - Sinfonías para adolescentes
2001 - Si - Detrás de las paredes (Vivo)[este si se refiere a la nota musical]

Porsuigieco
1976 - Porsuigieco (mezcla de Raúl Porchetto, Sui Géneris, León Gieco)

La Máquina de Hacer Pájaros
1976 - La máquina de hacer pájaros
1977 - "Películas"

Serú Girán
1978 - Serú Girán
1979 - La grasa de las capitales
1980 - Bicicleta
1981 - Peperina
1982 - No llores por mí, Argentina (vivo)
1992 - Serú 92
1993 - En vivo I & II (vivo en Bs.As., estadio de River Plate)
2000 - Yo no quiero volverme tan loco (vivo en 1981, en el Coliseo)

Solista
1980 - Música del alma (grabación en vivo de 1977 en el Festival del Amor)
1982 - Yendo de la cama al living + Pubis angelical (banda sonora de la película de Raúl de la Torre, con libro de Manuel Puig). LP doble editado posteriormente en 1 mismo CD.
1983 - Clics modernos (Modern Clix)
1984 - Piano bar
1984 - Terapia intensiva (banda sonora de la obra homónima de Antonio Gasalla)
1985 - Tango (con Pedro Aznar)
1987 - Parte de la religión
1988 - Lo que vendrá (banda sonora de la película de Gustavo Mosquera)
1989 - Cómo conseguir chicas
1990 - Filosofía barata y zapatos de goma
1991 - Tango 4 (con Pedro Aznar)
1993 - Radio Pinti (con Enrique Pinti y Pedro Aznar)
1994 - La hija de la lágrima
1995 - Estaba en llamas cuando me acosté (editado en nombre de "Casandra Lange", su banda de covers en ese momento)
1995 - Hello! MTV Unplugged (vivo en Miami)
1996 - Say No More
1997 - Alta fidelidad (con Mercedes Sosa)
1998 - El aguante
1999 - Demasiado ego (vivo en Bs.As.)
1999 - Charly & Charly en Olivos (vivo en la residencia presidencial de Olivos, edición limitada de 2000 copias)
2002 - Influencia
2003 - Rock and Roll Yo
2006 - Kill Gil

Los Enanitos Verdes

2006-11-02T18:45:00.000-03:00

Daniel Piccolo: batería
Felipe Staiti: guitarra
Marciano Cantero: bajo, teclados y voz

Esta banda mendocina tiene origen como trío en 1979. Con el éxito obtenido en sus presentaciones en Cuyo, la agrupación viaja a Buenos Aires para grabar un demo, que nunca fue editado. Pese a este fracaso continuan realizando shows, tanto en Mendoza como en la Capital.
En 1984 se incorporan dos nuevos integrantes: Sergio Embroni (guitarra y voz) y Tito Dávila (teclados). Como quinteto editan el primer disco ("Los Enanitos Verdes"). Para la segunda placa ("Contrareloj", 1986) cuentan con la producción artística de Andrés Calamaro.

En

1988 son protagonistas de una de las giras más extensas realizadas por un grupo argentino. En seis meses se presentan en 31 oportunidades, entre las cuales se destacan: Viña del Mar (50.000 espectadores), Mendoza (35.000) y Santiago de Chile (32.000), impulsados por su hit "La muralla".
En noviembre de 1994 se presentan ante 10.000 personas, en un concierto gratuito en los parques de ATC. Al año siguiente, realizaron una exitosa gira por el interior para presentar "Big Bang" (1994) y reforzaron su arrollador éxito en América Latina con un tour extenso que culminó en México.
"Tracción acústica" fue un disco para el sello Polygram USA, hecho que los convirtió en el primer grupo argentino en fichar para una compañía norteamericana.
El álbum "Pescado original" se grabó en California durante los meses de enero y febrero de 2006. El disco incluye catorce temas, una producción con un sonido más denso y letras con mayor contenido social. La grabación la realizaron como trío y luego algunos invitados aportaron lo suyo, como el percusionista Luis Conte y el tecladista Jon Gilutin. Los tracks destacados son "Mariposas", "Me permití soñar" (junto a Julieta Venegas) y "Sola" (junto a Coti Sorokin). Lo presentaron en una extensa gira continental, en la cual también celebraron sus 25 años de carrera.

Discografía
Los Enanitos Verdes, 1984
Contrarreloj, 1986
Habitaciones Extrañas, 1987
Carrousel, 1988
Había una vez, 1989
Igual que Ayer, 1992
Big Bang, 1994
20 grandes éxitos, 1995
Guerra Gaucha, 1996
Planetario, 1997
Tracción Acústica, 1998
Néctar, 1999
Amores lejanos, 2002
En vivo, 2004
Pescado original, 2006

Website oficial:
http://www.losenanitosverdes.com